Posi+ivando

Lecturas de cine. 'Mi primera película: Toma 2', de Stephen Lowenstein

2012-01-22T16:44:00.000+01:00

No solo de cine vive el cinéfilo. Y es que gran parte de nuestro tiempo, los aficionados a este arte lo pasamos leyendo y escrutando datos con los que satisfacer nuestra enorme demanda de información acerca de un mundo del que siempre queremos saber más. No existe mayor satisfacción aparte de, claro está, disfrutar de una gran cinta, que hundir la vista en las páginas de un libro que arroje luz sobre aspectos que no paramos de preguntarnos; ¿qué habría de hacer si quisiera ser director cine?, ¿cuál es la labor exacta del director de fotografía?, ¿cómo eran los grandes genios del celuloide antes de convertirse en lo que son hoy?, son algunas de las preguntas que todo buen apasionado se ha hecho alguna vez, y la literatura sobre el séptimo arte, amén de la santa blogosfera y toda suerte de datos que nos afanamos en buscar en el vasto internet, son la principal fuente que sacia nuestra sed.

El objetivo de esta sección es, por lo tanto, compartir lecturas de cine que por h o por b nos hayan resultado interesantes, ya sean ensayos, libros de técnica, de entrevistas o biografías. Espero que la disfrutéis.

El volumen del que hoy me gustaría hablar responde al nombre de 'Mi primera película: Toma 2', y su autor es Stephen Lowenstein, y podéis adquirirlo aquí entre otros muchos distribuidores.

El tema central son las entrevistas, que en este caso van dirigidas a grandes cineastas, centrándose en todo momento en sus óperas primas y en como consiguieron ya sea bien el presupuesto o el equipo para llevarlas a cabo. Esta obra tiene una primera parte ('Mi primera película'), pero si me centro en esta no es por otra razón que porque no he tenido oportunidad de echarle un vistazo a la primera.

Richard Linklater, Richard Kelly, Alejandro González Iñárritu, Shekhar Kapur, Emir Kusturica, Agnès Jaoui, Lukas Moodysson, Terry Gilliam, Takeshi Kitano y Sam Mendes son los destacados directores cuyas conversaciones sobre sus comienzos nos podemos encontrar entre sus páginas, y si bien algunas son más escuetas y pobres, otras son de un valor verdaderamente incalculable.

Entre los verdaderamente brillantes nos encontramos al señor Richard Linklater, director indie por excelencia, que nos cuenta con gran detalle como consiguió financiar su primer largometraje, 'Slacker', y como para ello tuvo que recurrir a todo. Muy interesantes son también las ideas de Alejandro González Iñárritu, que aquí nos explica la génesis de su espectacular 'Amores perros', su pasado en la radio y la televisión, y como todo ello fue definitivo a la hora de lanzarse con su primera cinta.

Los comienzos siempre son duros, y aquí podemos leer opiniones de todo tipo, pero si en algo están todos de acuerdo es en que, si quieres dedicarte a algo, sobre todo si hablamos de un arte tan damnificado y prostituido por las grandes productoras como es el cine, debes sentir verdadera pasión por sacar adelante tu historia, tu criatura, pues es el único modo de hacerte un lugar entre los miles de obstáculos que te vas a encontrar. Si os interesan las opiniones de estos grandes maestros, no deberíais dejar escapar este tomo.

2011, hubo paz para el cine

2012-01-21T18:08:00.001+01:00

Resulta curioso que haya solo un post de diferencia entre esta lista de lo mejor de 2011 y la que publiqué hace alrededor de un año con respecto al 2010, lo sé. Lo primero que me he propuesto hacer es sin duda plantear mis disculpas por este abandono tan radical que ha sufrido el blog. Estoy acabando una carrera y compaginándolo con el trabajo, lo que me deja poco tiempo para escribir sobre esta mi gran pasión. Espero sepa el lector excusarme.

Pero no todo ha de ser palabrería, puesto que traigo conmigo mi lista (cómo nos gusta hacer listas de todo) personal e intransferible de lo que servidor consideró lo mejor del ahora terminado 2011.

Este año estoy contento con lo que a cine se refiere, pues me he podido permitir el lujo de incluir varios títulos españoles, lo cual es un placer, y en general siento que este año he visto grandes cintas. Como último apunte antes de entrar en materia, recordaros que tengo en cuenta las películas estrenadas en 2011 en su país original y no solo en España. Vamos a ello:

10. X-Men: Primera generación (Matthew Vaugn)

Corría el año 2000 cuando Bryan Singer daba el pistoletazo de salida en la gran pantalla a una saga mítica de la Marvel como es X-Men, con dos películas muy dignas que llenaron nuestros ojos con buenas historias y un Ian McKellen impagable. Once años después, tenemos una secuela apasionante, con un James McAvoy en las carnes de Charles Xavier (no necesita ni presentación) por fin expresivo y un Michael Fassbender demostrando que es uno de los mejores actores de su generación. Todo un regalo para los sentidos.

9. Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (David Fincher)

Era este un arriesgado filme, con la alargada sombra de la cinta sueca homónima aún dando coletazos. Y es que los remakes siempre son una apuesta que los amantes del cine miramos con lupa, como si los estuviéramos juzgando de antemano (y yo no me excluyo). Pero esta vez me pudo el hecho de que el director era David Fincher, uno de los mejores narradores del momento, cuya trayectoria es una de mis debilidades. Interpretaciones de altura (increíbles Daniel Craig y Rooney Mara), atmósfera impecable, secundarios de lujo y banda sonora magnética (atención a los títulos de entrada, de los mejores que he visto), solo le pesa el hecho de aportar poco desde el punto de vista del enfoque a la primera adaptación de las novelas de Stieg Larsson.

8. La voz dormida (Benito Zambrano)

Llegamos a la primera cinta patria que incluyo en el ranking. Benito Zambrano, un artesano cuyo talento esta fuera de toda duda a pesar de su corta pero intensa filmografía, firma una película nostálgica y potente que tiene como marco la posguerra española y como target la historia de dos sensacionales mujeres (se agradece un cambio de punto de vista), donde el mayor aliciente será ver a una espectacular María León dando clases magistrales de interpretación.

7. Super 8 (J.J. Abrams)

Mucho se ha escrito ya acerca de esta cinta: que si copia de E.T., que si ejercicio de melancolía, que si demasiado bienintencionada. Lo cierto es que sí, muchas de esas acusaciones son sostenibles, pero lo que también es innegable es que aborda el tema de la juventud con direccionalidad, dando por fin al espectador niños que se comportan como tal, y mostrando un profundo respeto y admiración por las obras de los 80 de Steven Spielberg y Richard Donner. Podemos además disfrutar con la brillante interpretación de Elle Fanning (ojo al plano corto de la confesión) y de la solvencia tras las cámaras de J.J. Abrams, que hace aquí un gran trabajo.

6. No tengas miedo (Montxo Armendáriz)

Otra cinta española, esta vez incluso más dura si cabe que la anterior. No apta para todos los estómagos, no por sus imágenes sino por la carga emocional que lleva, nos narra una historia de abusos sexuales y decadencia personal. Muy grande Lluís Homar y no menos soberbia Michelle Jenner. Una película que deberían poner en las universidades.

5. Midnight in Paris (Woody Allen)

Y como no, aquí estoy de nuevo con mi viejo amigo el neoyorquino, el que nunca me defrauda. Pero esta vez se ha superado con una de las historias más divertidas que he visto el pasado año en un cine, que además es capaz de traer consigo una profunda reflexión sobre el paso del tiempo y como los seres humanos nos las apañamos para no estar contentos con nada. Woody Allen lo ha vuelto a hacer.

4. Hanna (Joe Wright)

He de decir primero que siento predilección por el estilo visual de Joe Wright, y en esta cinta, pese a que tiene la apariencia de ejercicio explosivo de su autor, no he podido sino sentarme a disfrutar de sus brillantes interpretaciones (ya he comentado alguna vez que la joven Saoirse Ronan es una de las grandes estrellas venideras) y su eléctrica puesta en escena. Un filme que no os dejará indiferentes.

3. No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu)

Y ahora sí, entramos en el Top 3, con la mejor película en muchos años, si no la mejor, que hemos conocido como industria cinematográfica. Enrique Urbizu consigue orquestar una increíble ópera de género, donde José Coronado compone uno de los mejores personajes que recuerde. Esa estructura, ese guión, ese final, son los que la convierten en el acontecimiento cinematográfico del año sino del siglo en España. Imprescindible.

2. Melancolía (Lars von Trier)

Este año tuvo dos grandes estrenos controvertidos, uno fue esta 'Melancolía', del danés Lars von Trier, y otro fue 'El árbol de la vida', de Terrence Malick. Mientras que a la segunda la considero la mayor tragedia que le ha acontecido a la cartelera del 2011, esta primera la estimo todo un evento de la profundidad, un filme que, aunque terriblemente ambicioso (no podía ser de otra forma viniendo de quien viene), nos graba en la retina algunas de las imágenes más potentes que hemos visto en una sala de cine, y una historia indescriptible —literalmente— acerca de la contradicción y la volubilidad de las personas. No es un filme que recomendaría a los cuatro vientos, pero no he podido resistir ponerla a esta altura de la lista.

1. Drive (Nicolas Winding Refn)

Y cierro con la número uno, la gran obra contemplativa de otro danés, en este caso Nicolas Winding Refn. Por fin veo una historia de amor que me revuelve las entrañas, a un anti-héroe tan multidimensional como poco histriónico como el 'driver' de Ryan Gosling, una dirección que me paraliza, una banda sonora exquisita y, sobre todo, un tratamiento adulto de un relato de bajada a los infiernos. Por eso y por mucho más, es la mejor película del 2011.

Y así termino esta breve crónica de lo que fue, al menos para mí, un gran año en lo tocante al séptimo arte. Solo me queda instaros a que publiquéis vuestras listas en los comentarios y desearos un próspero año 2012 cargado de buen cine y éxito personal.

Problemas de escala: De Brunelleschi a 'Buried' (I)

2011-02-12T20:17:00.009+01:00

Con esta entrada iniciamos por fin la larga serie de artículos dedicados a analizar en profundidad el segundo largometraje de Rodrigo Cortés, Buried (Enterrado), estudio que quiero comenzar haciendo especial hincapié en lo que constituye la principal singularidad de la película: su escala. Y es que los limitados elementos con los que juega la película —un actor, un escenario de constreñidas dimensiones—, convierten posiblemente a Buried en el largometraje más minimalista de la historia del cine —obviemos algunos de los experimentos audiovisuales de Andy Warhol—.

Pero antes de empezar a hablar de la película en sí, me gustaría invitar al lector a reflexionar sobre el modo en que las dimensiones de un proyecto pueden llegar a convertirse en un obstáculo para su desarrollo y sobre cómo en circunstancias extraordinarias las soluciones convencionales pierden su vigencia y se hace necesaria la adopción de respuestas singulares. Y para ello momentáneamente vamos a dejar a un lado la temática cinematográfica de este blog, para centrarnos en un episodio histórico acontecido hace más de 600 años. Espero no aburrirles con la digresión.

A finales del siglo XIII, Florencia era una de las ciudades más prósperas de Europa. Su crecimiento económico y demográfico estaba siendo tan grande que el gran templo de la ciudad, la vieja iglesia paleocristiana de Santa Reparata, se había quedado pequeño y obsoleto, especialmente en comparación con las flamantes nuevas catedrales de Pisa y Siena, las otras grandes villas de la Toscana. Por ello, en 1293 las autoridades de la ciudad deciden construir una nueva basílica, un edificio que superase en grandiosidad a todas las demás catedrales de la época: Santa Maria del Fiore. El escultor y arquitecto Arnolfo di Cambio fue el encargado de diseñar el edificio.

Obviamente, la realización de tan vasto proyecto fue larga y requirió los esfuerzos colectivos de varias generaciones. Las obras comenzaron el 8 de septiembre de 1296. Un siglo más tarde ya se habían levantado los muros y techado las naves, pero todavía quedaba un gran problema por resolver: nadie sabía cómo construir la ambiciosa cúpula de más de 40 metros de diámetro que debía cubrir el presbiterio. La ambición de construir el templo cristiano más grande del mundo implicaba numerosos problemas técnicos. Una cúpula de tanto peso y magnitud no se podía levantar con los sistemas constructivos tradicionales, así que era necesario encontrar soluciones nuevas.

Pero la mayoría de constructores de la época solo sabían lo que habían aprendido directamente de sus maestros, los cuales jamás se habían enfrentado a retos técnicos de semejante calibre. De ahí que muchos fueran incapaces de aportar soluciones al problema o hicieran propuestas directamente absurdas, como la de un desconocido arquitecto de la época que llegó a sugerir que se llenara la catedral con tierra a fin de construir la cúpula encima del barro moldeado. La tierra se mezclaría con monedas para que, una vez finiquitada la construcción, los pobres vaciaran de nuevo la iglesia en busca del dinero.

Las dificultades técnicas paralizarían las obras varias décadas, hasta que en 1419 se convocó una competición para diseñar una nueva cúpula para la catedral. El concurso fue ganado por Filippo Brunelleschi, quien diseñó una ingeniosa cúpula de ladrillo de doble cáscara que, al ser autoportante —es decir, se sostiene a sí misma—, se podía construir desde la superficie sin necesidad de estructuras de soporte. Asimismo inventó toda la maquinaria necesaria para izar las piedras y nuevas técnicas de albañilería. Sus soluciones eran totalmente novedosas y sin precedentes. Y lo más sorprendente es que ni siquiera tenía formación como arquitecto, sino que era orfebre. ¿Cómo un simple joyero sin experiencia en el mundo de la edificación había sido capaz de resolver con tanto ingenio un problema al que tantos experimentados maestros constructores no pudieron encontrar solución?

Puede que Brunelleschi no tuviera experiencia ni formación como constructor, pero había viajado a Roma y tenía un profundo conocimiento de los monumentos de la antigüedad. Sabía que la cúpula del Panteón de Roma, con sus 43 metros de diámetro, era similar en dimensiones al proyecto que había que resolver en Florencia, así que estudió su sistema constructivo a fondo en busca de inspiración. Una vez comprendidos y asimilados los fundamentos de la colosal cúpula romana, Brunelleschi pudo idear sus propias soluciones adaptadas al contexto específico de la catedral florentina. Sus amplios conocimientos en dibujo, matemáticas y materiales suplieron su falta de experiencia práctica.

La construcción de la cúpula comenzó en 1420 y fue completada en 1436. En aquel entonces era la cúpula más grande jamás construida y a día de hoy sigue siendo la cúpula de albañilería más grande del mundo. En el momento de su culminación, Santa María del Fiore era la catedral más grande de Europa, con una capacidad para 30.000 personas. En la actualidad solo es superada, en tamaño, por la Basílica de San Pedro en el Vaticano, la catedral de San Pablo en Londres, la Catedral de Sevilla y la Catedral de Milán.

La construcción de la cúpula de Santa Maria del Fiore marca, en la historia de la Arquitectura, el fin de la Edad Media y el comienzo del Renacimiento. En oposición a la figura del pragmático maestro de obra medieval que construía formas sin teorizar o reflexionar sobre ellas, Brunelleschi encarna a un nuevo modelo de arquitecto, más cercano a la figura del científico o del inventor que a la del albañil, que no construye la arquitectura pero la piensa y conoce todos los medios para llevarla a cabo.

¿Y todo esto qué tiene que ver con Buried? Sobre ello profundizaremos en la próxima entrega del monográfico.

Fuente de las imágenes: Wikipedia

Anteriores entregas del estudio Rodrigo Cortés:

El 2010, un año loco y bajo tierra

2011-02-11T19:02:00.004+01:00

Aunque con cierto retraso con respecto a mi lista del año pasado, publico mi particular visión de un año 2010 que no resultó ser tan nefasto como todos los especialistas lo quisieron pintar. Un año en el que hay 10 filmes dignos de engrosar una lista como la que me dispongo a escribir no puede ser un mal año, sobretodo teniendo en cuenta que no en todas las añadas podemos disfrutar de gran cine, como si fue el caso de este.

Este ciclo incorporo una pequeña modificación con respecto al anterior, y es que las cintas que entro a considerar son las estrenadas a lo largo de 2010 en su estreno original, no en España, porque al final acaba dando lugar a equívocos que quisiera evitar. De esta manera no puedo incluir en la lista filmes que de la otra manera si estarían dentro, como la magnífica ‘Two Lovers’ de James Gray, que aun siendo una película que data de 2008, se estrenó en nuestro terruño en el pasado mayo. Pero por otro lado considero que hablar de las cintas que si se han estrenado en el ya difunto 2010 es ser mucho más fiel y justo con respecto a la calidad real de un año en particular (aunque ello me lleve a no poder entrar a valorar filmes como ‘Cisne Negro’, lo último y esperado de Darren Aronofsky, ya que aun no pude echarle un vistazo)

Y sin más dilacion, os dejo con la lista y un pequeño comentario de cada uno de los filmes, esperando que os inste a comentar o, en el caso de que alguna se os haya escapado, darle una oportunidad:

1 - Shutter Island (Martin Scorsese)

2 - Enterrado (Rodrigo Cortés)

3 - Nunca me abandones (Mark Romanek)

4 - Origen (Christopher Nolan)

5 - La red social (David Fincher)

6 - Camino a la libertad (Peter Weir)

7 - Toy Story 3 (Lee Unkrich)

8 - Tron: Legacy (Joseph Kosinski)

9 - The Town (Ben Affleck)

10 - El escritor (Roman Polanski)

Encabezan mi lista lo último de Martin Scorsese y el español Rodrigo Cortés (aquí mi análisis). Creo que a estas alturas ninguno de estos dos largometrajes necesitan de presentación, aunque la obra del neoyorquino haya sido terriblemente obviada en todos los premios. Casualmente ambas entran a formar parte del género ‘de culto’ del thriller psicológico, y las dos nos muestran una aproximación diferente al fenómeno de la locura humana, aunque desde lugares muy diferentes. Con respecto a la última, recordaros que desde Positivando estamos llevando a cabo un extenso y elaborado monógrafico sobre la figura de Rodrigo Cortés cuya lectura os recomiendo encarecidamente.

Le sigue la primera cinta que si mantuviera el criterio del año pasado no debería estar aquí. ‘Nunca me abandones’, de Mark Romanek es un drama enmarcado en un contexto de ciencia-ficción. El realizador, autor también de la infravalorada ‘Retratos de una obsesión’, nos regala la película más triste que servidor tuvo el placer de visionar en mucho tiempo. Increíbles Carey Mulligan, Keira Knightley y Andrew Garfield en una cinta que se te queda grabada en la retina para siempre. Podréis disfrutar de ella en nuestras carteleras el 11 de marzo, y prometo que para esa fecha tendréis también un análisis en detalle de sus increíbles virtudes.

Seguimos con dos apuestas de gran presupuesto. ‘La red social’, del gran David Fincher, y ‘Origen’, del monstruoso Christopher Nolan. La primera (más detalles en mi análisis) bien podría haber sido un ensayo sobre las nuevas tendencias, y la segunda venir firmada por Sigmund Freud. Dos maravillosas cintas con gran carga filosófica que no pueden faltar en la filmoteca de ningún aficionado al cine.

En el número 6 nos encontramos con lo último de Peter Weir, realizador que tiene en su haber, entre otras muchas, las maravillosas ‘El club de los poetas muertos’ o ‘El show de Truman’. En este caso, y al estilo de ‘Master and Commander’, tenemos una historia llena de épica y aventuras, que alimentándose de una dirección exquisita y unas interpretaciones increíbles (no la veáis doblada, no cometáis el mismo error que yo) nos regala un lance basado en hechos reales que hará las delicias de cualquier espectador sediento de grandes historias. La tenéis ahora mismo en los cines, no os la perdáis.

Seguimos con dos producciones para todos los públicos. En el número 7 está la última producción del gigante Pixar, ‘Toy Story 3’, una cinta sobre la amistad y la infancia que tanto pueden disfrutar niños como adultos. No alcanza la magnificencia de otros largometrajes suyos como ‘Wall-E’ o ‘Ratatouille’ pero si es una gran película digna de estar en cualquier lista. En el número 8 está la muy injustamente denostada ‘Tron: Legacy’. Si bien su libreto no es el de un filme de Tarantino, si es el entretenimiento llevado a su mayor exponente, con unos efectos visuales de infarto (increíble que los Oscar hayan pasado por alto este detalle) y una banda sonora de los genios de Daft Punk aderezando la obra en su conjunto. Una digna evolución del cyberpunk de su original con un universo propio fascinante.

Y ya para terminar, dos muy interesantes filmes. En el número 9 la reafirmación como director del actor Ben Affleck, que después de la muy serena y disfrutable ‘Adiós pequeña, adiós’, nos presenta un thriller lleno de ritmo y buenas maneras como es ‘The Town’. Por no mencionar ese gran tiroteo, bebiendo directamente del gran referente a este respecto, ‘Heat’. Y en el número 10 está lo último del recientemente redimido Roman Polanski, ‘El Escritor’, una obra que no puede decir que no haya firmado él. La conspiración, el ambiente paranoico y las atmósferas opresoras son una vez más la constante en un filme que traslada al mundo de la política y la literatura de encargo las temáticas básicas de un cineasta que siempre tiene algo que ofrecer.

Termino así esta pequeña retrospectiva, concluyendo que para que un año sea bueno no tiene que haber 30 obras maestras. A mi, con que tenga 10 grandes filmes con los que disfrutar y sobrecogerme ya me parece una gran añada.

'A cuarta parede', revista digital de crítica cinematográfica en gallego

2011-02-04T11:52:00.009+01:00

Hoy se inaugura A Cuarta Parede, la primera revista digital de crítica cinematográfica escrita en gallego, nacida con la vocación de hablar de cine independiente y de autor en la lengua oficial de Galicia. Pero aquellos que no sepan gallego que no se preocupen, porque además de que es una lengua bastante fácil de entender para cualquier castellanohablante todos los artículos vienen acompañados por su correspondiente versión en español. Es más, algunas entradas incluso se pueden encontrar en otros idiomas como el portugués o el catalán, e incluso en dialectos como el asturianu. Y es que, del mismo modo que la mejor manera de disfrutar el cine es en versión original, también se quiere ofrecer a los lectores la posibilidad de disfrutar de artículos en v.o. escritos en la lengua materna del redactor correspondiente, además de su traducción al gallego, por supuesto.

La revista saldrá con una periodicidad irregular, cada 6-7 semanas aproximadamente, y está dividida en 6 secciones:

PANTALLAS, sección de críticas del cine de autor de última hornada. En este primer número podéis encontrar reseñas de True Grit, Black Swan, Somewhere, Meek's Cutoff, Incendies y Le père de mes enfants.

PANORÁMICA, estudio en profundidad de un tema tratado desde diferentes perspectivas. En esta ocasión, el tema es el cine portugués, con especial énfasis en la obra de autores como Miguel Gomes y Joao Pedro Rodrigues.

ZOOM IN, artículos centrados en un tema específico. Como complemento a las críticas de True Grit y Meek's Cutoff se publican en este número sendos artículos sobre los hermanos Coen y Kelly Reichardt.

FOUND FOOTAGE, dedicada a reivindicar a aquellos cineastas del pasado que han sido dejados de lado por la Historia del Cine oficial, como el cineasta francés Jean Painlevé.

PROCESOS, sección de videos y entrevistas a los artistas más destacados del panorama audiovisual gallego actual. En este número, entrevista a Peque Varela, ferrolana afincada en Londres, y que ha trabajado para Tim Burton y la MTV.

CONTRACAMPO, sección centrada en los circuitos de exhibición. En este número, entrevistas al prestigioso productor Luis Miñarro y especiales dedicados a Federico García y Robert Kramer, con la ocasión del ciclo dedicado al primero en el Cineclube de Compostela durante este mes de febrero y la reciente edición en DVD de dos películas del segundo.

Desde Posi+ivando queremos desearles mucha suerte a nuestros amigos de A Cuarta Parede y recomendaros a todos aquellos a los que os interese el cine al margen de los circuitos comerciales que le echéis un vistazo a la revista, pues vale la pena.

Rodrigo Cortés y la publicidad

2011-02-01T18:39:00.008+01:00

El 14 de marzo de 2007, justo dos días antes de que Concursante se estrenara comercialmente en salas de toda España, se daban a conocer los ganadores de la quinta edición del Notodofilmfest, aquel festival de cortometrajes al que Rodrigo había presentado Los 150 metros de Callao en 2002, y al que ahora regresaba en calidad de miembro del jurado.

Como ya saben, el jurado del Notodofilmfest está integrado en cada edición por varios realizadores de renombre que, además de ejercer como jueces, deben contribuir con un cortometraje creado específicamente para la ocasión. La aportación de Rodrigo para aquella edición fue Dirt Devil, una pieza satírica de apenas dos minutos que continuaba los planteamientos temáticos y estéticos de Concursante y en la que, una vez más, se volvían a exponer los absurdos del sistema, esta vez ejemplificados a través del filtro de una aspiradora. Una anécdota aparentemente simple e intrascendental a la que Cortés conseguía extraer un sorprendente rendimiento.

Dirt Devil ironiza sobre los presuntos beneficios que ofrece un determinado bien de consumo y, en consecuencia, adopta para ello las formas propias de un anuncio publicitario. Lo mismo sucedía con la célebre «escena catálogo» de Concursante, aquella que mostraba la inacabable relación de premios ganados por el protagonista de la película.

En las primeras entregas de este monográfico ya se dejó constancia de la falsedad de esos supuestos orígenes publicitarios y «videocliperos» que tantas veces se han atribuido erróneamente a Rodrigo. Si algunos de sus trabajos tienen una estética publicitaria se debe a las necesidades dramáticas de los mismos y no a que sean meros tics heredados de una práctica profesional previa. Por otra parte, afirmar que las películas de Cortés son «videocliperas» porque tienen una estética estilizada y un montaje sincopado solo demuestra un desconocimiento absoluto de la historia del séptimo arte. Como afirmaba hace años Rodrigo en una entrevista ofrecida a Cinencuentro:

«Ningún guardián de la moral debería escandalizarse con los recursos de Gondry, tildándolos acaso de “videocliperos” por sus secuencias de artesanía surrealista, porque Meliés, que yo sepa, no hacía videoclips. O a Thomas Anderson por montar, llegado el caso, “picadito”, porque Eisenstein ya lo hacía hace casi un siglo y le iba más Prokofiev que La oreja de Van Gogh.»

Con todo, es evidente que Rodrigo domina el lenguaje publicitario a la perfección, así que no es de extrañar que, tras el rodaje de Concursante, le empiecen a llegar las primeras ofertas para dirigir anuncios. Sus primeros trabajos publicitarios los hace para la agencia Entre3 Comunicación, para la cual realiza una media docena de spots, la mayoría para la Junta de Andalucía. El que aquí os traigo, curiosamente, corresponde a una campaña de concienciación sobre la economía sumergida. Parece que el pobre Rodrigo no se libra de la temática económica ni en la publicidad.

Tras su experiencia en Entre3, Cortés no tarda en ser reclutado por una de las agencias más importantes de España, Only925. Ahí empieza a hacer anuncios para grandes empresas. A continuación os dejo algunos de los spots que he podido localizar: dos para Kia, tres para ONO, uno para Findus, otro para Pharmagrip y otro para la Mutua Madrileña.

Por supuesto, es difícil encontrar indicios de la personalidad de Cortés detrás de todos estos anuncios. Son trabajos de encargo, elaborados sobre ideas de otros. Aquí la tarea del realizador no es la de expresar sus propias ideas, sino analizar con cuidado qué se espera de cada pieza y utilizar sus conocimientos para sacarles el máximo rendimiento.

Con todo, me parece importante mostrar estas obras para destacar la marcada vocación fílmica que desprenden todos los trabajos audiovisuales de Cortés. Ya veíamos lo increíblemente cinematográfico ―tanto en formas como en contenido― que era su videoclip para Travesura, e igualmente cinematográficos son todos estos anuncios, exquisitamente rodados ―desgraciadamente, la compresión de las copias de Youtube no le hace demasiada justicia a la calidad de los trabajos― y con un sentido del encuadre panorámico puramente fílmico. Es gracioso, pues, que digan que su cine tiene influencia de la publicidad y del videoclip, cuando en realidad son sus anuncios y sus vídeos musicales los que están llenos de cine.

Por otra parte, la rapidez con la que Rodrigo se ha visto obligado a encarar todos sus rodajes ―Concursante se rodó en 42 días y Buried en 17, cuando lo mínimo suelen ser dos meses―y su habilidad para inventar soluciones inmediatas lo convierten en un director muy apto para enfrentarse al frenético ritmo de filmación del mundo publicitario.

No obstante, a veces es inevitable que la personalidad del director salga a relucir, como sucede en este hilarante spot que astutamente nos hemos reservado para el final del artículo. Un anuncio de un minuto de duración en el que no se pronuncia una sola palabra y que podría perfectamente ser un corto. La planificación, el montaje y el uso de la música son sencillamente exquisitos.

Aquí ponemos fin a este repaso de la carrera publicitaria de Rodrigo Cortés, no sin antes darle las gracias a nuestra querida amiga P.R., sin cuya desinteresada colaboración no hubiera sido posible este artículo. En la próxima entrega, Buried.

Anteriores entregas del estudio Rodrigo Cortés:

'Buried' en Blu-Ray y DVD | Continuación del monográfico

2011-01-30T17:11:00.018+01:00

Como supongo que ya sabrán la mayoría de nuestros lectores a estas alturas, el próximo 15 de febrero se pone a la venta Buried (Enterrado) en DVD y Blu-Ray. Ambas ediciones vienen acompañadas de un buen puñado de contenidos extras:

Teaser.
Tráiler.
Making of.
Audiocomentario de Rodrigo Cortés.
Documental: Apuntes sobre la planificación.
Documental: Iluminando la caja.
Documental: Música bajo tierra.
Documental: Una serpiente en mi ataúd.
Documental: Efectos digitales: paso a paso.
Documental: Sangre y arena.
Documental: Breath no breath.
Entrevista a Rodrigo Cortés en el programa Hoy, con Iñaki Gabilondo.
Entrevista a Rodrigo Cortés en el programa Buenafuente, con Andreu Buenafuente.
Ronda de preguntas y respuestas en el Festival de Sundance 2010.
Clausura del Festival de Deauville.

Según las fichas de sendas ediciones consultadas en varias tiendas, la única diferencia entre los extras del Blu-Ray y del DVD es que este último no incluye el audiocomentario de Rodrigo Cortés. Lo cual, de ser cierto ―podría ser una errata―, sería una lástima porque el audiocomentario del director suele ser, al menos para un servidor, uno de los extras más valiosos que puede incluir una película ―y si el director es Rodrigo Cortés, más valioso aún― y es una pena que toda la gente que aún no se ha pasado al nuevo formato de alta definición no vaya a poder disfrutar de un extra tan suculento.

Asimismo, junto a estas dos ediciones, saldrá a la venta un Combo Pack exclusivo para tiendas Fnac, que incluye el Blu-Ray, el DVD y un libreto ―desconozco el contenido del mismo, aunque por la foto no tiene mala pinta―, presentados en una caja especial para coleccionistas. Además, si reserváis ya este combo en Fnac.es os lleváis de regalo el Zippo de la película (os juro que no me dan comisión por esto). Los precios de salida recomendados para cada una de las ediciones son: 18,95 € para el DVD, 19,95 € para el Blu-Ray y 23,95 € para la Edición Coleccionistas.

Aprovecho la ocasión también para anunciar que en los próximos días publicaremos nuevos artículos del monográfico dedicado a Rodrigo Cortés, después de un largo paréntesis de casi tres meses que seguro que a muchos lectores se os ha hecho eterno, a tenor de todos los comentarios que nos habéis enviado preguntando cuándo retomaríamos el estudio.

Eso sí, con vuestro permiso, lo haremos introduciendo un pequeño desorden cronológico, saltándonos la obra que ahora nos tocaba analizar, Concursante, dejando su examen para más adelante. La principal razón por la que el monográfico ha estado parado tanto tiempo es que aún no he terminado de organizar toda la parte del estudio centrada en la ópera prima de Rodrigo Cortés. Pero dado que sí tengo casi rematados la mayoría de los artículos que vienen después creo que será mejor ir publicando estos mientras voy finiquitando los que me están dando más guerra. Supongo que a aquellos que ya estén acostumbrados al habitual desorden narrativo de las obras de Cortés no les supondrá un problema que yo también recurra a «el tipo de orden que sigue un niño al vestirse» para estructurar este monográfico.

Por otra parte, quiero apresurarme a publicar el análisis de Buried antes de ver todos esos contenidos extras que incluye la edición doméstica de la película, pues creo que no tiene el mismo valor intentar deducir por uno mismo las razones que han impulsado a un artista a tomar determinadas decisiones creativas que limitarse a transcribir las palabras que uno ha escuchado de la boca del director. Por eso quiero exponer mi visión actual de la película antes de que esta se vea excesivamente condicionada por las explicaciones del propio Cortés.

Tal vez no tenga mucho sentido publicar estas reflexiones en este momento. Lo propio habría sido hacerlo hace cuatro meses, cuando la película se estrenó en cines. Ahora que el audiocomentario y los documentales con Rodrigo Cortés desgranando la película con todo lujo de detalles van a estar a disposición de cualquiera, este análisis quedará obsoleto, pues la única persona que conoce todos los pormenores de una obra de arte es su autor, y seguramente muchas de mis conjeturas sean equivocadas. En cualquier caso, creo que lo verdaderamente importante de un análisis no es tanto el acertar o no acertar las razones por las que un artista ha tomado determinadas decisiones creativas como todo el proceso de reflexión que conlleva detrás, aunque las conclusiones no sean coincidentes con la realidad de los hechos.

Además, he estado dedicándole demasiado tiempo a la preparación de estos artículos como para no publicarlos ahora. ¡Si hasta me tomé la molestia ―ante la imposibilidad, hace unos meses, de tomar capturas específicas de la película― de dibujar mis propios storyboards para ilustrar mis artículos! Después de haber visto la película dos veces, asistí a una tercera proyección equipado con una pequeña libretita para tomar apuntes y hacer bocetos de las escenas que más me interesaban. En cierto modo, fue una experiencia casi metacinematográfica, pues al mismo tiempo que Paul Conroy utilizaba la luz de su móvil para iluminar el ataúd, yo usaba la luz del mío para alumbrar mi cuaderno.

Os habréis dado cuenta que en todo momento estoy hablando de análisis, y no de crítica. A lo largo de todo de este estudio no voy a publicar ninguna crítica ni de Concursante ni de Buried. No me interesa. La red está llena de críticas de ambas películas, muchas de ellas escritas por gente más erudita que un servidor, así que os remito a ellas. Si bien es cierto que ambos conceptos son interdependientes e inseparables ―toda crítica implica un análisis previo, y todo análisis necesariamente conduce a un juicio crítico― lo que quiero enfatizar es que no me interesa tanto entrar a valorar si una película es buena o mala como estudiar los porqués ocultos detrás de las decisiones creativas.

Creo que los conceptos «bueno» y «malo» pueden llegar a ser muy relativos en función de la perspectiva con que se miren. Por supuesto, yo tengo mi punto de vista, que es personal e intransferible, y no tiene por qué coincidir con el de los demás. Que una película me parezca una obra maestra o una mierda pinchada en un palo creo que es algo que no le interesa a nadie más que a mí. Por eso, enarbolar una opinión personal como si de una verdad absoluta se tratara, como hacen muchos críticos, me parece una labor muy poco provechosa. Nadie va a cambiar su opinión negativa o positiva de un film por muchos argumentos a favor o en contra que yo pueda esgrimir sobre él.

Mucho más productivo me parece, en cambio, estudiar a fondo una obra para comprender por qué está hecha de esa manera y no de otra. Creo que es mucho más instructivo y didáctico para todos, tanto para los defensores de la película como para sus detractores. A los primeros, puede ayudarles a entender mejor la obra que aman; a los segundos, a ver que ese film que tanto odian también tiene aspectos de interés que tal vez habían pasado por alto. Y a eso nos dedicaremos en las próximas entregas de este monográfico.

Anteriores entregas del estudio Rodrigo Cortés:

'Ondskan', la maldad y el chico que la quiso evitar

2011-01-19T17:20:00.009+01:00

El cine siempre tuvo un pequeño lugar entre sus filas para tratar un tema tan importante como la educación. Sirvan como precedente filmes como ‘Diarios de la calle’, de Richard LaGravenese, ‘La clase’, de Laurent Cantet o la archiconocida ‘El club de los poetas muertos’, de Peter Weir. Todas ellas cintas levemente aleccionadoras —aunque sin caer en la bofetada— que dejan caer una fuerte crítica al sistema educativo, siempre en contra del conservadurismo y a favor de una enseñanza 2.0. Pero la película que hoy me incita a escribir nos llega desde Escandinavia, más concretamente desde Suecia —ni que decir tiene que estos países nos sacan varios años luz en lo que a materias educativas se refiere—, y viene firmada por Mikael Hafström, un cineasta que después de esta magnifica ópera prima fue rebajando poco a poco el nivel con cintas que, si bien no malas, si inferiores a esta ‘Ondskan’, como la entretenida ‘Sin control’ o la enésima adaptación de Stephen King, ‘1408’. El libreto viene firmado por el propio director y Hans Gunnarsson, sobre la novela de Jan Guillou.

Erik, interpretado magníficamente por el debutante Andreas Wilson, es un joven de 16 años al que expulsan de su escuela por comportamiento violento y asocial, motivo por el cual todas las puertas que podría tener abiertas para concluir su enseñanza secundaria se ven cerradas, por lo que solo queda una opción que su madre utiliza desesperada: enviarlo a un centro privado interno, hogar de la alta alcurnia y donde habitan los más despreciables seres, corrompidos por el poder y deseosos de liderazgo. Y estoy hablando de los alumnos.

Pero Erik, con fuertes convicciones y una valentía y un orgullo más allá de toda lógica, solo quiere satisfacer los deseos para consigo de su madre, por los cuales ha sacrificado tanto, y poner fin de una vez por todas a esa primeriza etapa de educación para poder finalmente vivir su vida conforme a su persona. Lo cual no va a estar exento de complicaciones.

Una gran parte de la fuerza dramática de la cinta reside en que, entre otras vicisitudes, el marido de la madre de Erik es un maltratador de libro. Violento, hipócrita, machista y retrógrado. Y esta personalidad fiera recae con malevolencia sobre la figura del chico, somentiéndolo continuamente a terribles humillaciones que el aguanta estoicamente para, intuimos, no herir aun más a su madre, una persona reprimida a la fuerza y desmoralizada, que profesa un amor sin límites por su hijo.

La película plantea en principio un debate controvertido, pues Erik es un muchacho violento y desajustado, con el que se nos insta a empatizar. La pregunta que nace es, por lo tanto, si la educación del chico es la responsable de su conducta, si lo es el ambiente en su hogar o si por la contra es algo innato de su persona, que nunca aceptó variación. Y la respuesta se va soltando con cuentagotas, en un desarrollo de personajes ejemplar —narrado en forma de pequeñas historias—, una contención interpretativa magistral y un clímax final arrollador.

Como comentaba antes, y en base a su temática compartida con ‘El club de los poetas muertos’, ‘Ondskan’ explica lo mismo con otro lenguaje, en otro idioma, que se deja ver en la diferencia básica entre ambas: mientras que en la cinta de Peter Weir el protagonista es un docente aventajado, con una visión adelantada a sus días que quiere inculcar esos principios y ese modo de vivir —el famoso ‘carpe diem’— a sus alumnos, ciegos por la sociedad conservadora y la represión paternal, en la propuesta de Mikael Hafström las riendas las lleva un alumno, despierto ante la injusticia del mundo adulto y la perversión de los que son como el pero siempre lo han tenido todo, y únicamente quieren hacer gala de su ficticio poder sobre aquellos que no pueden hacerles frente. Gustaf Skarsgard —si, es hermano de Alexander Skarsgard e hijo de Stellan Skarsgard— representa en este caso la mezquindad y la cobardía, que mientras se rodea de sus compañeros de fechorías se muestra muy capaz, pero que, en una sublime actuación, siempre deja ver en sus ojos cierto temor, y porque no, soledad, hastío de ser como toda la vida le han obligado a ser.

Esta diferencia básica sitúa el catalizador en lados opuestos, y ayuda a todas luces a sentir mayor desprecio por todo lo que rodea a Erik, víctima y mártir de esta tragedia, que encuentra su único apoyo en su compañero de habitación en el internado, Pierre, interpretado por Henrik Lundström. Esta relación de amistad nos mostrará de una manera mucho más intima las motivaciones y emociones de Erik, dado lo aséptico de su carácter, y será la que desvele la verdadera naturaleza del chico. Serán constantes la lealtad y el compañerismo, en clara contraposición con el ambiente que les rodea, donde cualquier muestra de camaradería estará motivada solo por interés.

Ya en aspectos técnicos, comentar solo un par de cosas. La dirección de Hafström es efectiva, no brilla con luz propia pero sabe donde colocar la cámara para que el espectador sufra y se alegre con Erik. Tiene momentos realmente acertados —la escena de los latigazos, imitando una sodomización—, que hacen que la obra en su conjunto mantenga un nivel muy alto. Por otro lado, su manejo de la narración es excelente, dotando al conjunto de gran cohesión, usando para ello la propia evolución del protagonista.

Hay que nombrar también a Peter Mokrosinski, responsable de la fotografía que trabajó tambien en la segunda y tercera parte de la trilogía sueca ‘Millennium’, pues su labor no es poco apreciable. Obra suya es esa gélida atmósfera que se respira en todo momento, y la perfecta simbiosis entre técnica y belleza de que goza toda la obra.

Resumiendo, una cinta muy apreciable y con interés moral, que en el año 2004 se hizo con una nominación a mejor película de habla no inglesa en los Oscar, que finalmente acabó atesorando la canadiense ‘Las invasiones bárbaras’.

Inauguro así oficialmente la sección ‘Cine invisible’, que como ya había comentado en esta entrada se ocupará de analizar pequeñas joyas no muy conocidas, disculpándome a su vez por el receso que padeció Positivando estos meses —mucho trabajo y poco tiempo libre—, asegurando que intentaré retomar el buen ritmo.

Posi+ivando, trayectoria y novedades

2010-11-05T19:08:00.007+01:00

Posi+ivando es un proyecto que nace a finales de 2009 con la intención de aportar una perspectiva diferenciada de la que normalmente se deja entrever en la crítica de cine, tanto en publicaciones en papel como en la blogosfera. Y nos llena de orgullo, a mi y a mi compañero Iván, contemplar como poco a poco, y gracias a todos los lectores a los cuales no podemos más que agradecer con intensidad su atención, el proyecto que en un principio se nos antojaba imposible, ha cobrado una fuerza de la que solo podemos asegurar que intentaremos mantener cueste lo que cueste. Y para ello estamos trabajando en ciertos aspectos —de los que seréis fielmente informados en el momento de su lanzamiento— que nombraremos hoy un poco por encima y, aprovechando, haremos un poco de retrospectiva y comentaremos esa evolución que hemos disfrutado.

En primer lugar, mencionar un incremento vertiginoso que hemos tenido en el número de visitas recibidas, de la que vosotros y solo vosotros sois responsables, queridos lectores, hecho que nos hace agradecer la confianza que habéis depositado en el proyecto, y solo podemos instaros a que os quedéis en vuestro blog de cine en positivo, el sitio donde todas vuestras opiniones tienen siempre cabida. Hemos pasado de apenas unas 50 visitas al mes a superar la cifra de las 1000 en el mes de octubre, —como podéis observar en el siguiente gráfico— un crecimiento maravilloso que esperamos se mantenga.

Asimismo, para poder operar desde más frentes, también hemos inaugurado sendas cuentas de Twitter y Facebook, las redes sociales del momento, a las que podéis acceder clickeando en los enlaces anteriores o buscando en cualquiera de ellas ‘positivandocine’. A ese respecto comentar también que disponemos del dominio www.positivando.com.es, aunque en un periodo de tiempo que queremos no sea muy extenso esperamos ofrecer una renovación de la Web, esta vez alojada en un servidor propio, con grandes mejoras que incrementen la interacción del usuario con nosotros los editores y con la página en si, al más puro estilo de Web 2.0. Os mantendremos informados cuando esto vaya a ocurrir.

Comentar también que gracias a los esfuerzos de mi compañero Iván Blanco y su maravilloso estudio dedicado al gran Rodrigo Cortés hemos podido ofrecer contenido único y exclusivo en la Web, pues su monográfico es el único que se ha dedicado a estudiar en profundidad la obra de un cineasta de los más interesantes en los días que corren, éxito debido en gran medida a su reciente ‘Buried’, pero que debido a su relativamente corta carrera es un imposible disfrutar de buen material sobre su trabajo y trayectoria, aunque como bien indica mi colega en la presentación del estudio, hay artistas que, con solo una o dos obras a las espaldas, ya hacen gala de gran talento y un estilo que merece ser objeto de un extenso monográfico.

Y ahora, una vez comentado un poco todo esto, voy a presentar las dos secciones que en muy poco tiempo engrosarán la actividad del blog.

En primer lugar, hablar de los análisis de películas a la carta. Esta sección pretende ofrecer una crítica de los filmes que los lectores elijáis, pero con la particularidad de que el editor que la lleve a cabo será también de vuestra elección y que en un principio nos comprometemos a llevar a cabo todas las peticiones que hagáis. Digo en un principio porque este proyecto no tiene ánimo de lucro, y todo el trabajo que le dedicamos es desde nuestro tiempo libre, no obstante, pondremos todos nuestros esfuerzos en satisfacer todas las demandas. Tendréis más información en breve cuando demos por inaugurada la sección.

En segundo lugar, hablar de otra sección, que hemos llamado ‘Cine invisible’, término recogido de un artículo del número 14 de la revista ‘Cahiers du cinema’ versión española. Esta sección se va a dedicar, si bien es cierto que no específicamente a tratar sobre coproducciones polaco-arábigas con 20 copias distribuidas de 1959, si sobre cintas hasta cierto punto desconocidas para el gran público pero que merecen un poco de atención por su calidad y buenas maneras. Trabajaremos así sobre filmes que no tuvieron buena campaña de marketing, o que duraron dos telediarios en cartelera, o que por lo que sea se vieron relegadas al cajón del olvido. No necesariamente, y como decía más arriba, han de ser producciones completamente minoritarias, sino cintas con interés que creamos no son mainstream. Más información muy pronto.

Y con esto doy por terminado este repaso a la trayectoria y las novedades, y no lo puedo hacer de otro modo que dando las gracias a todos vosotros, pues sin vuestro interés no sería posible, y deseando que esta sea una larga y próspera relación. ¡A positivar!.

'Red Lights' y 'Emergo', aventuras paranormales de Rodrigo Cortés

2010-11-04T18:31:00.007+01:00

Aunque aún no habíamos hablado de Red Lights en el blog, estoy seguro que para muchos de nuestros lectores esta película no necesita presentación alguna a estas alturas. Como ya sabéis, se trata del tercer largometraje de Rodrigo Cortés, todavía en proceso de preproducción. Y aunque pueda parecer un trabajo empujado por el éxito que está cosechando Buried, lo cierto es que se trata de un proyecto anterior. «Era lo que estábamos moviendo en Hollywood cuando apareció el guión de ‘Buried’ en el camino. Ahora lo retomamos donde lo habíamos dejado.»

El guión, escrito por el propio director, sigue los pasos de la doctora Margaret Matheson (Sigourney Weaver), una veterana psicóloga que, con la ayuda de su asistente Tom Buckley, investiga una serie de fenómenos paranormales. Pero su escepticismo científico se verá puesto a prueba con la aparición de Simon Silver (Robert De Niro), un médium de fama mundial que regresa a la vida pública después de 30 años de misteriosa ausencia.

En palabras del propio cineasta, la película es un thriller psicológico sobre «cómo el ser humano no es un mecanismo fiable para percibir la realidad», una premisa que a primera vista puede sonar un tanto extraña pero que no lo es tanto si tenemos en cuenta que Cortés siempre ha tenido una particular obsesión con explorar las diversas formas de recreación de la realidad, ya sea en clave de ficciones reales (15 días, el falso blog de Martín Circo Martín) o de realidades ficticias (Concursante). Según el director, la película supondrá una aproximación muy científica a la fenomenología paranormal y tratará los temas con el mismo rigor que cabría esperarse de un thriller político.

Como es de suponer, poder trabajar con dos actores de la talla de Weaver y De Niro es todo un sueño hecho realidad para el realizador: «De repente, escribes la carta a los Reyes y te lo traen todo. Normalmente, uno hace la lista de los actores que quiere sospechando que va a tener que rodar con el número cuatro y el número cinco de la lista, pero en este caso contestaron los números uno.»

Sabiendo lo scorsesiano que es Rodrigo, no debe extrañarnos que su primera opción para el papel de Simon Silver fuera Robert De Niro, un actor que desde hace algunos años está siendo muy criticado por su participación en películas de tercera división, interpretando papeles menores muy alejados de aquellos Vitto Corleone, Travis Bickle o Jake LaMotta que le consagraron como uno de los mejores actores de su generación. No obstante, Cortés sigue mostrando total confianza en el actor, al que califica de «gigante de la interpretación» y al que considera perfecto para encarnar a un personaje que «necesita de alguien que, con su con su sola presencia, soporte el peso de la historia, y eso es algo que uno percibe en cuanto Robert De Niro aparece en la pantalla. (…) Es necesario un actor no sólo lleno de matices y registros, algo que, a estas alturas, nadie va a poner en duda en Robert De Niro, sino que además lleve consigo toda esa mochila inmediata, todo ese paquete que a uno le hace percibir ese peso aplastante.»

La presencia de Sigourney Weaver en el reparto tampoco es casual ya que la protagonista de la saga cinematográfica Alien fue su principal inspiración a la hora de diseñar el personaje de la psicóloga: «El de Weaver fue el único personaje que escribí con un actor definitivo en mente, y es ella. Cuando escribí a Margaret Matheson, en todo momento tenía en mente a Sigourney Weaver, aun pensando que sería muy difícil conseguir que eso se materializara.» Cortés describe a la psicóloga como una mujer muy metódica y con un sentido del humor muy afilado.

Desde ayer sabemos además que el irlandés Cillian Murphy también estará presente en el film, presumiblemente en el papel del joven ayudante de la psicóloga. La noticia nos llegaba gracias a la presencia del nombre del actor en el primer teaser poster de la película, exhibido en el American Film Market '10. Como podéis observar, se trata de un diseño muy elemental que nos muestra los símbolos correspondientes a los cinco palos de las cartas Zener garabateados con bolígrafo sobre un fondo blanco, evocando el conocido ritual de «escritura automática» a través del cual un médium «escribe» lo que le dicta un espíritu ajeno, de manera que el lápiz o la pluma se mueven prácticamente solos sobre la hoja de papel. Viendo estos motivos, uno ya casi puede imaginarse los títulos de crédito de la película, que esperemos que una vez más vuelvan a ser obra de los chicos de Royalcow.

Red Lights seguirá los pasos de Buried, en cuanto a intenciones de realizar un film comercial pero al mismo tiempo arriesgado y valiente, protagonizado por estrellas de Hollywood pero manteniendo el control creativo desde España. Además de escribir y dirigir, Cortés también producirá la película, de nuevo junto a Adrián Guerra a través de la productora barcelonesa Versus Entertainment. También financian la película la productora estadounidense Parlay Films —que se ha hecho con los derechos internacionales sobre la cinta fuera de España y Corea del Sur— y las coreanas CSe Entertainment y Blue Storm Productions.

El rodaje dará comienzo en febrero de 2011 y se desarrollará durante siete semanas en Barcelona y otras dos en Canadá, aunque la trama transcurrirá en «una gran ciudad estadounidense». Parece que por fin Rodrigo podrá rodar un film en un plazo normal, sin necesidad de someterse a un ritmo de rodaje maratoniano. El estreno estaría previsto para 2012. Si el fin del mundo no llega antes, claro.

Pero no hará falta esperar hasta entonces para poder ver nuevo material de Cortés en la gran pantalla, ya que a mediados de 2011 se estrenará Emergo, ópera prima del multipremiado cortometrajista Carles Torrens (Barcelona, 1984) realizada a partir de un guión de Rodrigo. Se trata de un film de terror acerca de un equipo de parapsicólogos que investigan una serie de sucesos extraños en un apartamento recién ocupado: sombras misteriosas, objetos que vuelan, extrañas emisiones de luz, bombillas que explotan, llamadas de teléfono aparentemente hechas por nadie... Utilizando tecnología de última generación, el equipo intentará contactar con el «otro lado». Pero con cada uno de los intentos la situación se volverá cada vez más peligrosa.

Así, a bote pronto, la premisa parece una mezcla entre Cazafantasmas —pero en clave seria— y Poltergeist —precisamente el título original del proyecto era El otro lado, coletilla que se dio a la segunda parte de la saga—, y aunque la temática de las casas encantadas está muy sobada en el cine, confiamos que el guión de Cortés será capaz de aportar algo de originalidad al género.

En un principio, el realizador de origen gallego iba a dirigir su propio guión pero la aparición de Buried y el consecuente retraso en la producción de Red Lights le llevaron a delegar el proyecto en Torrens, joven y prometedor cineasta catalán, autor de los premiados cortos Coming to town (2006) y Delaney (2008) y de las también premiadas TV movies y Plou a Barcelona (2008) y Rhesus (2010). Puede que las similitudes temáticas con Red Lights también hayan influido a la hora de decidir delegar el proyecto en otra persona.

Con la finalidad de favorecer la veracidad de unas imágenes que, según nos aseguran, serán totalmente espeluznantes, Torrens ha elegido para protagonizar su películar a un grupo de actores que aún no estuvieran en primera línea mediática, y que incluye los nombres de Kai Lennox, Gia Mantegna, Rick Gonzalez, Fionna Glascott, Michael O'Keffee —nominado al Oscar al mejor actor de reparto en 1980 por El gran Santini— y el catalán Francesc Garrido. Como se puede deducir, la película se ha filmado en inglés con vistas a una mayor repercusión internacional.

El rodaje tuvo lugar este verano en Barcelona —aunque igual que Red Lights está ambientada en suelo estadounidense— y en exteriores de Los Angeles y actualmente se encuentra en fase de postproducción. Se espera que se estrene en marzo del 2011, por lo que no tendremos que esperar demasiado tiempo para ver este nuevo proyecto. Al igual que Buried, está producida por Adrián Guerra de Versus Entertainment y por el propio Rodrigo Cortés y cuenta con la participación de ICAA, ICIC, TV3 y otros inversores españoles e internacionales, siendo Independent Film Group la encargada de distribuir el film en Estados Unidos y Kinology en el mercado internacional restante.

Es una pena que el proyecto no haya sido dirigido por Cortés, seguro que la puesta en escena difiere bastante de la que hubiera hecho él, pero tal vez nos sirva para descubrir a otro talentoso cineasta. Y quién sabe si al final se acaba notando la impronta de Rodrigo en el resultado final. Al fin y al cabo, ya sabéis lo que dicen las malas lenguas acerca de la auténtica autoría de Poltergeist, ¿no?

Rodrigo Cortés: Los inicios (III)

2010-10-24T23:54:00.011+02:00

A lo largo de las primeras entregas de este monográfico hemos ido conociendo a algunos de los primeros camaradas artísticos de Rodrigo: Óscar Rodríguez, Miguelón… pero todavía nos falta hablar de otros dos compañeros de aventuras igualmente importantes: los hermanos Therón Sánchez, Roberto y Carlos.

Roberto y Rodrigo se conocen en el instituto, mientras cursan bachillerato. Ambos comparten la pasión por el cine así que enseguida se hacen amigos. Poco después, ya están trabajando juntos en el primer Súper 8 de Rodrigo, El descomedido y espantoso caso del victimario de Salamanca. Roberto ya tiene cierta experiencia en rodar películas domésticas, pues con una cámara Panasonic que su tía compra en Canarias, él y sus cuatro hermanos se pasan horas y horas grabando imitaciones de Martes y Trece, informativos… incluso se hacen sus propios dibujos animados y animaciones stop motion, a un nivel muy básico, por supuesto. Por aquella época, el pequeño Carlos aún no es más que un niño, pero tiene perfectamente claro que quiere ser director de cine. Así que, con el permiso de Cortés, Roberto lleva a su hermano pequeño al rodaje del segundo corto del orensano, Siete escenas de la vida de un insecto. Desde un rincón, Carlos se dedica a absorber todo el cine que por ahí se destila. Poco a poco, se convierte en una presencia cada vez más habitual en los rodajes de Rodrigo.

Su primer corto lo graba para el concurso Historias de un minuto y pico del programa Esta noche cruzamos el Mississippi. Trata de un chico que espera a una chica en un andén pero ésta no aparece. Al acabar el instituto, hace una prueba para estudiar Comunicación Audiovisual en una universidad privada pero no es aceptado y, al igual que Cortés, decide estudiar Historia del Arte mientras se forma como cineasta de manera autodidacta, siempre bajo la tutela del maestro Rodrigo, que le enseña a fijarse en la técnica y en la narrativa y le recomienda, sobre todo, ver mucho cine clásico. El orensano le transmite su pasión por el cine de Buster Keaton y le impulsa a estudiar la complejidad de sus montajes. No es de extrañar, pues, que el primer corto serio de Carlos —Comunica, una sencilla historia de un chico que hablando por teléfono en una cabina se fija en los zapatos de una chica— también sea mudo y en blanco y negro, al igual que los primeros trabajos de Cortés. En cierto modo es lógico: ¿qué mejor manera de aprender la narrativa que meterse en la piel de aquellos pioneros que tuvieron que ingeniárselas para contar historias sin poder hacer uso de la palabra, simplemente a base de exprimir al máximo el poder semántico de las propias imágenes?

Pronto Rodrigo empieza a involucrarse personalmente en los trabajos de su pupilo, participando en calidad de montador y supervisor de diálogos en tres de sus cortometrajes: La ley de Murphy (2000), Interruptus (2003) e Impávido (2007), todos ellos ganadores de numerosos premios. En los dos primeros, además actúa, y diseña los títulos de crédito del segundo —firmando con su pseudónimo, Gonzalo Giráldez—. Y aunque argumentalmente las historias que cuenta Therón no se parecen en nada a las de Cortés —Carlos practica una comedia de acción próxima al cine de Quentin Tarantino y Guy Ritchie—, se nota la mano del orensano en los textos y, sobre todo, en los trepidantes montajes marca de la casa, dejando en evidencia hasta qué punto una película es una obra colectiva y cómo el resultado final de lo que vemos en pantalla no es exclusivamente mérito del director, figura a la que a veces endiosamos en demasía olvidándonos de la impronta que dejan el resto de colaboradores.

De estos tres cortometrajes, tal vez el que más nos recuerde al propio cine de Cortés sea Interruptus. En primer lugar porque se nota mucho su mano en el montaje, y en segundo lugar porque en él volvemos a encontrarnos con muchos de los intérpretes salidos del Gran Café-Teatro de la Vega: Óscar Rodríguez, Miguelón, Ángel González Quesada, el propio Rodrigo… Entre ellos también está Roberto, que coguioniza el cortometraje junto a su hermano —que también hace un pequeño cameo al final del corto— y Alfonso Aranda.

Impávido está protagonizado por rostros mucho más conocidos para el gran público, como los de Julián Villagrán, Pepo Oliva, Nacho Vidal, Manolo Soto o Marta Torné, aunque Óscar Rodríguez y Miguelón también están presentes. Precisamente gracias a la web no oficial de la actriz puedo poner el cortometraje a vuestra disposición. Lamentablemente la compresión del vídeo reduce muchísimo su calidad y la enorme «mosca» de la esquina inferior derecha resulta bastante molesta, pero menos da una piedra.

Carlos también participa en la cuarta edición del Notodofilmfest, con el cortometraje Guerreros del Témpano, «la película más espectacular, entretenida e impactante comentada por su creador». Creo que Rodrigo no tuvo ningún tipo de participación en este trabajo, pero ya que estamos repasando los orígenes cinematográficos de Therón, qué menos que ponerlo también. Resulta bastante simpático y además nos demuestra, una vez más, que no es necesario disponer de grandes medios para hacer un corto interesante.

A día de hoy, Carlos Therón está afincado en Madrid y es todo un profesional reconocido. Ha realizado spots para productoras de primera división como 2con3 y Framestorming y videoclips para Una décima de segundo producciones, como los de El secreto de las tortugas, de Maldita Nerea —canción para la que graba dos clips, uno en 2006 y otro en 2007; en el primero realiza algunos juegos de pantallas parecidos a los ya ensayados por Cortés en Dentro— y Pirata del estrecho de Los Delinqüentes (2006). Junto a Antonio J. García —su director de fotografía habitual— crea su propia compañía de producción audiovisual: Producciones Líquidas. Rueda algunos documentales, entre ellos En la cuna del aire, que gana el Goya al mejor cortometraje documental en 2006. Monta y produce Miente, de su paisana Isabel de Ocampo, ganadora del Goya al mejor cortometraje en 2008. Ha dirigido algunos episodios de la exitosa serie de Antena 3, Los hombres de Paco, cadena para la que ha realizado también numerosas promos y cortinillas. Acaba de finalizar en Gijón el rodaje de su ópera prima, Impávido, adaptación al largometraje de su célebre corto. Dado que todos estos trabajos se salen de los límites de este monográfico, nos limitamos a mencionarlos de pasada, aunque puede que dentro de algún tiempo, coincidiendo con el estreno de Impávido, hagamos otro especial dedicado a repasar con mayor detalle los primeros trabajos de Carlos Therón.

Antonio J. García, además de ser el director de fotografía habitual de Therón, también lo ha sido de dos videos musicales de Cortés: Travesura, de José Luis Encinas —ya visto en la anterior entrega de este monográfico— y Vincenzo el italiano, de La banda del Capitán Canalla. Los lectores más avispados recordarán que en el último artículo se señaló que Cortés sólo había realizado dos videoclips antes de dirigir su ópera prima, afirmación fundamentada en unas declaraciones efectuadas por el propio director en marzo de 2007. Sin embargo, el historial profesional de García nos descubre, por sorpresa, la existencia de un tercer clip anterior a esa fecha. No cabe duda: esos flashes, esos juegos de texturas, ese enérgico montaje delatan al artista detrás de las cámaras. ¿Qué oscuras intenciones han podido impulsar al orensano a omitir este trabajo de su currículo? Supongo que habrá sido víctima de algún tipo de amnesia disociativa, porque no me imagino ningún motivo por el cual quisiera renegar de haber trabajado con cuatro gigantes de nuestra cultura como Andrés Pajares, Fernando Esteso, José Manuel Parada y Alfonso Aguado. Y es que, por si no fuera poco ser el autor de uno de los cortometrajes más premiados de la historia del cine español, del mejor corto de aspiradoras del mundo y de la mejor película ambientada en un ataúd, Rodrigo Cortés también puede presumir de haber filmado la largamente esperada reunión de Pajares y Esteso después de 17 años de separación profesional. ¿Quién da más?

Y no podemos acabar el artículo sin retomar a la persona que nos sirvió de excusa para comenzarlo: Roberto Therón. A diferencia de Carlos y de Rodrigo, Roberto desarrolla una larga trayectoria en la Universidad: se licencia en Informática, Comunicación Audiovisual y Humanidades, se doctora con una tesis sobre Robótica y actualmente desempeña labores de docente e investigador en la Universidad de Salamanca, donde es encargado del grupo VisUsal. Es obvio que con tanto trabajo no ha tenido demasiado tiempo libre para rodar, pero no ha perdido la vocación de contar historias. Además de coescribir Interruptus e Impávido, también ha escrito y dirigido un cortometraje, Desilencio, presentado en la primera edición del Notodofilmfest, aunque escrito originalmente para los Diminutos del Calvario (de ahí la duración de un minuto). En él volvemos a encontrar un montón de rostros que ya nos resultan familiares, incluido el de Rodrigo, que también se encarga del montaje y de los títulos de crédito —firmando nuevamente con pseudónimo—. Por cierto, no sé si os habéis fijado ya en que Rodrigo tiende a usar siempre una tipografía similar a la hora de diseñar las secuencias de títulos.

Y aquí ponemos punto final al repaso de los primeros trabajos de Rodrigo Cortés. En la próxima entrega ya nos meteremos de lleno en su ópera prima, Concursante, aunque os advierto que las sorpresas no acaban aquí, y que seguiremos dando a conocer trabajos de Cortés poco conocidos. Por supuesto, no quiero despedirme sin darle las gracias al mismísimo Roberto Therón, sin cuya desinteresada colaboración no me hubiera sido posible completar este artículo.

'Algo en común', cuando lo sencillo encuentra a lo brillante

2010-10-23T23:05:00.008+02:00

Muy de vez en cuando llega a las pantallas de cine una película inesperada, que coge a todo el mundo con la guardia baja. Un filme que muestra una posibilidad en nuestras vidas, que expresa de un modo simple y efectivo una realidad difícil de representar sin caer en formulismos o estereotipos, al más puro estilo de ‘Dame 10 razones’ de Brad Silberling o el díptico ‘Antes del amanecer/atardecer’ de Richard Linklater. Es ese el caso de ‘Algo en común’, dirigida, protagonizada y escrita por un primerizo Zach Braff, hoy conocido gracias a la serie de televisión ‘Scrubs’.

Esta realidad a la que hago referencia es la de la incerteza vital que acompaña al duro período de la veintena en la vida de cualquier persona, en la que el vértigo es una constante al darse uno cuenta de que las cosas y las personas que siempre estuvieron consigo pueden desaparecer en cualquier momento para dar paso a una nueva etapa en la que todo habrá cambiado, y se tiene la certeza de que ya nunca volverán. En el filme a tratar, esta posibilidad esta encarnada por Sam, una muchacha insegura y espontánea, cuyas inquietudes sobrepasan toda lógica común, pero que encuentran salida en Andrew, un joven que tuvo la mala suerte de haber visto marcada su vida de niño por un infortunio que condicionaría su vida irreversiblemente.

Andrew —interpretado con corrección por Zach Braff— es un muchacho que no goza de buena salud emocional, pues los medicamentos marcaron su vida a raíz de ese desagradable suceso que comentaba. Pero un día se ve de nuevo en el lugar en que creció, rodeado de sus antiguos amigos y reviviendo cada fragmento de su infancia de forma anárquica y estimulante. Y es en ese momento de su lucha interior cuando conoce a Sam, desarmante y emocionalmente sincera, con la que desde el principio nota una conexión que le llevará al más intenso viaje de su vida, y que irreversiblemente le marcará para siempre. Es un personaje mortificado, cuyo amor por la vida está aun por descubrir, situación por la cual está dispuesto a sacrificarlo todo, solamente por poder sentir esa pasión que debería caracterizar a todo ser humano en cada acción que lleva a cabo.

Sam, a la que da vida una Natalie Portman cuyo talento está fuera de toda duda —espero impaciente ‘Black Swan’, su última película con Darren Aronofsky—, que se come la pantalla en cada plano y en cada expresión facial, representa la bondad, el tedio moral que a cada paso se ve más acrecentado por falta de estimulación, pero que aun así lucha por innovar, por salir fuera de la burbuja y caminar por donde nadie antes lo había hecho. Tenemos así un personaje muy rico en matices, mostrado en todo su esplendor con muestras de su vida diaria, que no hace sino aportar ese aire de drama intimista que tan verazmente consigue mostrar un fragmento crucial en la vida de las personas. Un retazo, que seguido de cerca por la cámara de Braff, consigue transportarnos a esa incertidumbre existencial de la que ella y Andrew son objeto, contemplando en todo momento un desarrollo coherente de los personajes —contra todo lo que se pudiera decir, y que más adelante abordaré—, que danzan en vaivenes emocionales mientras se conocen el uno al otro.

El filme es un pequeño viaje en la vida de estos dos muchachos hasta cierto punto atormentados, que con el uso de metáforas fílmicas y brillantes diálogos hacen posible una caracterización exacta de sus personalidades, a primera vista encontradas, pero que con el paso de los minutos van encontrando un punto de apoyo irremplazable, en el que el peligro ya no importa y donde esos jardines que rodean la villa serán los ojos de una relación muy inspirada (el título original es ‘Garden State’, que hace referencia a los múltiples jardines de New Jersey, donde se desarrolla la acción), que contra todo lo que pueda parecer, no podría estar más alejado del melodrama, pues después de todo, lo que queda es un sabor a vida que solo el buen cine deja en los labios, y muy lejos de instar a la lágrima fácil consigue conmover al personal e incitar a la reflexión sobre el conformismo y la muerte sensorial, de la que es víctima nuestro protagonista.

Y hablando de metáforas, no puedo dejar de hablar de una de las mejores escenas del filme, en la que bajo la lluvia y delante de un enorme abismo, los protagonistas gritan con todas sus fuerzas. En ella, después de enfrascarse en un corto viaje que les llevará por muchos lugares aparentemente inútiles, pero que representan como cada paso hacia delante es una meta en si misma, somos testigos del firme propósito de estos jóvenes de no dejarse abatir y desafiar a todo lo desconocido y lo inexplorado. Os dejo la escena en cuestión (no es en si un spoiler, pero aún así, si queréis llegar ‘vírgenes’ a su visionado, no la veáis)

También hay que hacer especial mención a los secundarios, un Ian Holm y un Peter Sarsgaard muy inspirados, aportando su indispensable granito de arena para comprender la historia en su conjunto —aunque a primera vista el personaje del segundo parezca descontextualizado, es un rol indispensable en la trama—, siendo un fiel retrato de este modo de cómo los elementos externos influyen sobremanera en las decisiones que se toman, acrecentando una falsa e infundada sensación de culpabilidad que culminará en un despertar total, eso si, alejado del tormento.

La coherencia interna del relato es abrumadora, pues aunque la resolución del filme no haya dejado a todo el mundo satisfecho con el guión, resulta ser la manifestación última de los personajes, en cuyo viaje han expresado una muy marcada evolución que no podía haber culminado de otra forma, teniendo en cuenta sus motivaciones y sus metas personales, pero que para comprender en su totalidad hay que interpretar desde un principio, y no desde la motivación básica que se nos presenta al comienzo del filme.

Resumiendo, una gran película que en el año 2004 sorprendió a muchos y gustó a unos cuantos, pero que estoy seguro es un filme extraordinario que hará las delicias de quien se deje absorber por su historia.

A lo mejor eso es una familia. Unas personas que echan de menos el mismo lugar imaginario.

'La red social', el invento de toda una generación

2010-10-19T01:53:00.007+02:00

A primera vista podría considerársele una cinta más que aprovecha el tirón mediático de una red social como es Facebook, pero nada más alejado de la realidad. ‘La Red Social’ es un historia que bajo una apariencia simple nos narra el ascenso al poder de un chico con una mente privilegiada y visionaria que es acusado de robo de la propiedad intelectual entre otras muchas cosas que no harían sino desprestigiar el auge de el que puede sea el mayor invento de la última década.

Pero fuera de toda ingeniería asociada al ámbito informático, radica la verdadera belleza y profundidad de una historia potente y hasta cierto punto siniestra, que no es otra cosa que un cuento sobre los intereses y todo el mal que pueden hacer sobre las relaciones entre las personas. Mark Zuckerberg, encarnado por un Jesse Eisenberg que escapó de la comedia para explorar su lado más dramático, es un muchacho altamente excéntrico con unas ideas revolucionarias. Pero como todo ser humano, necesita de la ayuda de la gente que le rodea para poder convertir en realidades sus ambiciones, lo que le lleva a plantar el germen de la ilusión en sus allegados, hasta el punto de involucrarlos al máximo en su empresa, pero que en todo momento controla los hilos de la marioneta que está forjando, mientras que todos sus contribuyentes creen tener poder sobre algo que realmente escapaba a su comprensión.

Prueba de todo esto es la declaración de intenciones de la que parte la cinta, un brillante plano inicial que nos muestra un enfrentamiento entre el personaje de Eisenberg y su novia, una Rooney Mara que ya es la musa de David Fincher —repetirá con él encarnando a la protagonista de ‘Millennium’, Lisbeth Salander, en el remake de la cinta de título homónimo basada en los best-sellers de Stieg Larsson— y que representa los entresijos de cómo Mark ve el mundo, y como su extraña concepción de la realidad, hasta cierto punto poco ética, acabará por modelar una personalidad divergente que se manifestará como un verdadero paradigma de la contradicción, entendiendo esto último como lo paradójico que resulta que el invento socializador por excelencia haya sido obra de un ser humano intensamente asocial y con serias dificultades para comprender el mundo de la manera que es generalmente entendido. Lo cual nos lleva a pensar que la incongruencia interna de la mente del protagonista será la que actúe como catalizador para sentar las bases de la socialización moderna, hoy en día muy aceptada, que parte de un modus operandi frío que traslada el ámbito personal al global, disfrazando de relación cercana todo lo que ocurre al otro lado de la pantalla del ordenador.

Pero todo este imaginario responde a una constante en el cine de Fincher, que nos muestra en esta obra otro pedazo más de lo que ha marcado una filmografía que se puede identificar con el concepto de la ‘distancia interpersonal’, a saber: El personaje del narrador de ‘El club de la lucha’, interpretado por Edward Norton, es un hombre con clara incapacidad para las relaciones personales motivadas por su falta de contacto real con el mundo, que acaba por destaparse en forma de Tyler Durden, una manifestación clara y concisa de las emociones reprimidas de una forma lo mas freudiana posible, de la misma manera que el personaje que encarna Michel Douglas en ‘The Game’, un ejecutivo de alto standing distanciado en extremo del mundo y que vive en un micro-cosmos que el mismo ha creado donde cualquier cosa que no sean sus reglas está fuera de lugar, cuyo clímax llevará a una trama de redención que terminará mostrando como la condición humana es camaleónica y adaptativa. De igual manera ocurre en ‘Seven’, donde un Morgan Freeman en estado de gracia es un ente perseguido por sus demonios personales, y que solo encuentra el sentido de su vida cuando reconoce sus propios errores en una joven pareja, a la cual intentará ayudar llegando así y de nuevo a la autoaceptación. Esta cualidad misantrópica y decadentista de la obra del realizador nos lleva a entender el concepto básico de ‘La Red Social’, que traslada a la era de Internet un hecho primigenio como es la socialización y la manera correcta de abordarla.

Para todo ello contó con buenos y jóvenes actores, al estilo de los inicios de Kevin Smith, donde podríamos destacar, además de los ya mencionados, a Andrew Garfield —ahora mismo codo con codo con Marc Webb en el reboot de ‘Spiderman’, en el que se meterá en las mallas del superhéroe— como director financiero de Facebook y mejor y único amigo del protagonista, a Justin Timberlake en el rol del creador de Napster, grandilocuente e insensato mesías que con su temerario y sectario modo de vida conseguirá confundir a Mark Zuckerberg hasta el punto de inmiscuirse en la compañía y motivar la trama de traición que mueve el filme, a Max Minghella, un ambicioso joven pero que, al carecer del talento de Mark se ve obligado moralmente a reclamar su parte del pastel mediático en el que se ha convertido una pedestre apuesta inicial, y a Armie Hammer, cuyo trabajo actoral es sobresaliente al dar vida a los gemelos Winklevoss, —mano derecha e izquierda de Divya Narendra, el personaje de Minghella— al más puro estilo de Jeremy Irons en ‘Inseparables’ de David Cronenberg.

Pero si algo hay que tener especialmente en cuenta es que el reclamo publicitario se basó estrictamente en las posibilidades que brinda un filme basado en la web del momento y en una campaña de marketing asombrosa encabezada por el a estas alturas de sobra conocido por todos slogan de ‘No se hacen 500 millones de amigos sin crearte unos pocos enemigos’, ya que Jesse Eisenberg se ha ganado una imagen de freak alejado del estereotipo de chico sexy de Hollywood. Todo ello lleva a pensar que los 46 millones de dólares que llevaba recaudados solo en USA a día 11 de octubre sean una maravillosa muestra de cómo una obra que cuando fue anunciada no hizo más que levantar exclamaciones en negativo se ha situado como una maravilla cinematográfica de visionado obligado.

No obstante, todo esto no habría sido posible sin Aaron Sorkin, guionista de la cinta, y Ben Mezrich, autor de la novela en la que se basa el libreto. Sorkin, entre otras cosas creador de la serie ‘El ala oeste de la Casa Blanca’ o el filme ‘Algunos hombres buenos’, da una lección de cómo se debe escribir un buen guión, es decir, con apariencia sencilla pero desarrollado hasta el final, con diálogos brillantes, un pequeño hueco para la crítica a la actual ley de la propiedad intelectual, y un prodigioso manejo del tempo fílmico sobre el papel, como ejemplifica el hecho de que, con respecto al primer borrador del guión apenas hay unas cuantas palabras cambiadas, ya que David Fincher decidió mantener la totalidad del libreto dada su convicción de que era inmejorable. Insuperable compenetración la de estos dos artistas, que ya pueden presumir de haber llevado a cabo un trabajo que, en manos de cualquier otro cineasta menos experimentado y más oportunista, o de un guionista menos experto y menos familiarizado con el lenguaje cinematográfico habría resultado meramente un pasatiempo.

Mark, no eres gilipollas, por más que te esfuerces en serlo.

Rodrigo Cortés: Los inicios (II)

2010-10-16T13:57:00.012+02:00

En 1999 el director y productor mexicano Juan Carlos Rulfo —hijo del célebre escritor Juan Rulfo—, a través de su productora La Media Luna, pone en marcha una original iniciativa cinematográfica: diez jóvenes directores de su país son retados a rodar una película de un minuto de duración en un único plano secuencia disponiendo únicamente de una lata de 400 pies de película y medio día de rodaje. Puesto que la productora está situada en la calle del Calvario y el minuto de duración exigido está más cerca de lo “diminuto” que del corto, la iniciativa es bautizada como Diminutos del Calvario.

El 24 de octubre de 2000, coincidiendo con un especial dedicado al veterano realizador mexicano Arturo Ripstein, el programa Versión Española de La 2 emite como complemento los Diminutos del Calvario. La idea entusiasma tanto al equipo del programa que TVE, en colaboración con la productora Filmart, decide alentar la realización de una edición española de estos Diminutos. Para ello organizan un concurso de microguiones para historias de un minuto a rodar en un solo plano secuencia. Rodrigo Cortés es uno de los diez seleccionados —entre los cuales también se encuentran otros nombres hoy conocidos como Juan Antonio Bayona y Javier Rebollo—, contribuyendo con el segmento Dentro, protagonizado una vez más por Óscar Rodríguez. Se trata de una filmación de marcado corte experimental, en la que el salmantino demuestra que hacer un plano secuencia no implica necesariamente renunciar a los cortes de montaje, la multiplicidad de puntos de vista y el uso de diferentes texturas. Personalmente me recuerda bastante al estupendo arranque de Ojos de serpiente, de Brian De Palma.

En 2001, por iniciativa del realizador Javier Fesser, se celebra la primera edición del Notodofilmfest, un festival de cine que nace con la vocación de utilizar Internet como medio para descubrir y apoyar a los nuevos talentos, y darles mayor difusión de la que permiten los modos tradicionales de producción y distribución cinematográficas. Rodrigo participa en la segunda edición del concurso (2002) con el corto Los 150 metros de Callao, clasificándose como finalista al Premio del Jurado a la Mejor Película. Cortés coge una anécdota sencilla y cotidiana —el recorrido de un par de transeúntes por las calles de Madrid (atención al apellido de uno de ellos)— y le da un tratamiento de retransmisión deportiva, creando un efecto original e hilarante.

A finales del año 2003, por petición de Universal Music, realiza el segundo videoclip de su carrera, para el tema Travesura del músico de flamenco chill José Luis Encinas. De enérgico montaje y repleto de juegos de texturas, en esta ocasión sí que podemos reconocer el estilo de Cortés en cada fotograma. Lo más curioso es que el clip, que muestra al propio Encinas filmando las calles de Salamanca con un tomavistas súper 8, casi parece hecho más a la medida del propio realizador que a la del músico, pues nos remite a sus orígenes como cineasta autodidacta.

Llegados a este punto se hace necesario desmentir una falsedad que he visto repetida hasta la saciedad en cientos de artículos sobre el cineasta. Y es que se acostumbra a describir a Rodrigo como un realizador procedente del mundo del videoclip y de la publicidad, cuando lo cierto es que antes de dirigir su ópera prima el salmantino sólo había realizado dos videoclips —con cinco años de separación entre uno y otro— y ni un solo spot publicitario. Toda la labor publicitaria de Cortés es posterior a Concursante, y ni siquiera es especialmente numerosa. Una muestra de, hasta qué punto, el manejo superficial de determinados datos puede convertir a los medios de información en auténticos medios de desinformación. Y aunque fuera cierto que el salmantino tuviera esa larga experiencia en esos ámbitos profesionales, interpretar la estética videoclipera de sus films como un simple vicio heredado de una práctica profesional anterior denota una alarmante falta de capacidad analítica, en todo caso.

Durante todos estos años Rodrigo no sólo trabajará en sus propios cortometrajes, sino que también colaborará en los de su amigo Carlos Therón, en los que ejercerá las funciones de montador, supervisor de diálogos e intérprete. Pero sobre esta relación profundizaremos más en la próxima entrega de este monográfico.

Rodrigo Cortés: Los inicios (I)

2010-10-14T07:52:00.028+02:00

No es fácil rastrear los orígenes de Rodrigo Cortés Giráldez. Todas sus biografías lo señalan como gallego, y es cierto —la mala leche que tiñe cada cosa que se propone hacer da fe de ello—, aunque sólo por empeño de su madre. El señor Cortés y la señora Giráldez vivían en Madrid, pero pensaban que ser de la capital equivalía a no ser de ninguna parte, así que la señora Giráldez, natural de Pazos Hermos —un pequeño pueblo orensano «compuesto en su mayoría de gente apellidada Giráldez, y donde la endogamia entre las relaciones está haciendo estragos», tal como es descrito, en broma, por el narrador del falso documental 15 días—, decidió que su retoño también tenía que ser gallego y se marchó a su pueblo natal exclusivamente para dar a luz, y allí es donde nace el pequeño Rodrigo el 31 de mayo de 1973. Pero si le preguntáis de dónde es, él os responderá que de Salamanca, ciudad en la que ha vivido prácticamente toda su vida, durante tres décadas enteras, desde que tenía dos años hasta la preproducción de Concursante.

Ya desde pequeño se muestra como un niño muy precoz. Listo, inquieto, nervioso, vivo como pocos. Como el Cástor de 15 días. Y con un gran interés en el arte en general, sobre todo en el cine. En 1985 conoce a Óscar Rodríguez Martín, en quien Rodrigo encontrará un perfecto compañero de aventuras. A partir de entonces sus carreras artísticas estarán ligadas en una simbiótica colaboración de ideas. En 1989 —con tan sólo 16 años, y después de más de dos años en busca de financiación—, comienzan a trabajar juntos en el primer cortometraje de Rodrigo, El descomedido y espantoso caso del victimario de Salamanca, un homenaje mudo y en blanco y negro al cine de Chaplin y Buster Keaton, rodado durante los fines de semana con una vieja cámara de Súper 8. De este primer corto viene el nombre de la productora de Cortés, El victimario.

En esta misma época ambos entran a formar parte del Gran Café-Teatro de la Vega, modesta iniciativa vecinal que, con ilusión y entrega, pronto acaba convirtiéndose en el fenómeno más popular de la actividad escénica salmantina. Durante casi diez años, Rodrigo trabajará gozosamente en este atípico y descarado collage interdisciplinar de humor, música, danza e ilusionismo, escribiendo guiones delirantes, componiendo —dicen que toca el piano casi con la misma destreza con que dirige películas— y «actuando como el culo». A raíz de este café-teatro, Rodrigo, Óscar y Miguel Martín “Miguelón”, forman un trío cómico al que bautizan como el célebre cuadro de Rubens, Las tres gracias. De ellos os dejo un desternillante número musical grabado en directo en el ya extinto Gran Teatro Bretón de Salamanca en 1999, en el que podéis ver a Cortés cantando al piano una canción de desamor un tanto peculiar.

Estas primeras experiencias teatrales tendrán gran influencia en el desarrollo de su carrera cinematográfica. Por una parte, el café-teatro será la cantera de la que saldrán muchos de los artistas que participarán en sus primeras filmaciones: Maribel Iglesias, Miguel Martín, Ángel González Quesada… Pero lo más importante es que sus proyectos cinematográficos heredarán el marcado carácter satírico de estas primeras representaciones escénicas; conociendo los orígenes cómicos de Cortés se entiende mucho mejor la omnipresencia del humor tanto en su obra como en su habla cotidiana. Sentido de la sátira que también parece haber heredado su hermano Roldán, investigador del Departamento de Bioquímica y Biología Molecular de la Universitat de Catalunya y uno de los responsables del hilarante proyecto amateur Tesis: el musical del cual posiblemente conozcáis su fragmento más célebre, ¡Me hago Doctor!, protagonizado por el propio Roldán.

A pesar del interés de Cortés por el séptimo arte, las dificultades para estudiar cinematografía en Salamanca hacen que se decante por Historia del Arte, carrera en la que básicamente sólo hay que estudiar en tres épocas del año, lo que le deja mucho tiempo libre para formarse como cineasta de manera completamente autodidacta. Los cines Van Dyck y la Filmoteca Regional de Castilla y León son las aulas en las que pasa miles de horas devorando película tras película; sus maestros son los mejores posibles: Keaton, Eisenstein, Hitchcock, Welles, Wilder, Kubrick, Rohmer, Allen, Coppola, Spielberg, Scorsese. Cortés se forja en la única escuela de cine válida para Quentin Tarantino, la del do it yourself. Al fin y al cabo, Comunicación Audiovisual sirve para aprender especialidades técnicas como sonido o iluminación, y ayuda a conocer gente y a hacer contactos, pero no se puede enseñar a nadie a ser Hitchcock. Si tienes interés, te fijas en cómo está montada una escena. La mejor manera de aprender a hacer cine es viendo cine.

En 1994, rueda su segundo Súper 8, también en blanco en negro y sin diálogos y con Óscar de protagonista: Siete escenas de la vida de un insecto, libremente inspirado en La metamorfosis, de Franz Kafka, influencia recurrente en la filmografía del salmantino. En 1996 se pasa a los 16 mm y rueda —tras comprender, por fin, que los títulos han de pronunciarse de una sola vez— Allegato, una pieza de animación con plastilina de dos minutos, con el David de Miguel Ángel como protagonista, y el discóbolo de Mirón y el pensador de Rodin como "artistas invitados". Se estrena en Tele 5 en las navidades de 1997.

A principios de 1998 es reclamado por Sogetel y Jabalina Records para rodar el videoclip de la canción Sick of you, del grupo salmantino Onion, para la película de Alejandro Amenábar Abre los ojos —es la que suena en la secuencia del accidente de coche—. La filmación, como es habitual en estos casos, mezcla imágenes del grupo y de la película. Se trata de un clip bastante clásico y atmosférico resuelto en muy pocos planos. Si bien se encuentra bastante alejado estilísticamente de sus trabajos posteriores, en él ya podemos detectar el uso de distintas texturas fotográficas para diferenciar lo que es “real” de lo que no lo es —en este caso, el sueño de Noriega—, recurso que será profusamente utilizado en su primer largometraje y, en menor medida, también en el segundo. Como curiosidad, también se puede decir que es la primera vez que Cortés monta imágenes de Chete Lera.

A raíz de esta filmación, Onion también participan en la banda sonora del siguiente cortometraje del director, Yul —rodado antes del vídeo para Abre los ojos, pero montado y sonorizado tras su conclusión—, historia de un inadaptado —«un cerebro en esencia bien armado pero con problemas de puntería», interpretado nuevamente por Rodríguez— con la que el realizador por fin da el salto a los 35 mm, no sin mucho esfuerzo y gracias a la ayuda de algún que otro crédito bancario —¡menos mal que aún no había rodado Concursante!—. Pero todos estos sacrificios se ven recompensados por la veintena de premios que el cortometraje obtiene de su paso por diversos festivales, entre ellos, el Universal Studios Award, que le brinda la oportunidad de realizar un máster intensivo de cine de dos semanas en los estudios Universal de Los Ángeles (Estados Unidos).

Pero es su siguiente trabajo el que le sitúa en el centro de todas las miradas como uno de los jóvenes realizadores más prometedores de este país: el mediometraje 15 días (2000), que en clave de falso documental nos narra la sorprendente historia de Cástor Vicente Zamacois —Óscar Rodríguez, una vez más—, «gran campeón intercontinental del escapismo educado» que logra vivir de manera extraordinariamente solvente durante más de dos décadas a pesar de no poseer ni una sola peseta. En él se pueden observar ya todos los rasgos identificativos del «estilo Cortés»: diálogos brillantes, montaje eléctrico, juegos de texturas, críticas al sistema y cantidades industriales de humor negro. Además de escribir y dirigir, Cortés monta, compone la banda sonora e interpreta un pequeño-pero-significante papelito. El cortometraje cosecha excelentes críticas, y consigue un total de 57 galardones en certámenes nacionales e internacionales, convirtiéndose en el más premiado de la historia del cine español hasta ese momento (1).

[Cortometraje completo en Google Videos]

Seguiremos repasando los primeros trabajos de Cortés en el próximo artículo.

(1) Si no me equivoco, actualmente el récord lo tiene Alberto Ruíz Rojo, con su corto Diez minutos (2004), con más de 140 premios.

Estudio: Rodrigo Cortés

2010-10-08T05:03:00.013+02:00

Hace tres años y medio su ópera prima pasaba sin pena ni gloria por la cartelera española. Hoy, su segundo largometraje es estrenado simultáneamente en 4.000 salas de más de 40 países —la mitad de ellas en Estados Unidos—, algo inédito para una producción íntegramente española. Su nombre es Rodrigo Cortés y está destinado a convertirse en uno de los grandes nombres del cine español. Y tan convencidos estamos de ello que desde Positivando nos hemos propuesto realizar un monográfico dedicado al análisis de la breve-pero-intensa obra de este singular cineasta.

¿Se puede dedicar un estudio a un realizador que tiene en su haber tan sólo dos películas y un puñado de cortometrajes? Claro que sí. A mediados de los 90 ya existían numerosos ensayos dedicados a analizar pormenorizadamente la obra de Quentin Tarantino, cuando éste tan sólo había dirigido un mediometraje, un par de películas y escrito unos pocos guiones más. Análogo es el caso de Alejandro Amenábar, de quien ya se habían publicado unas cuantas monografías (1) cuando su filmografía todavía constaba únicamente de tres títulos. Y es que a veces un par de películas bastan para detectar a un futuro gran cineasta. ¿Acaso películas como Ciudadano Kane, El cuarto mandamiento, El diablo sobre ruedas y Tiburón no dejaban ya entrever los revolucionarios talentos que se encontraban tras ellas?

Un gran artista no necesita tener una gran producción a sus espaldas para ser merecedor de un estudio, puesto que sus obras suelen ser tan ricas que el simple análisis de una de ellas daría para rellenar páginas y páginas. Hay directores que, con dos o tres películas, ya han logrado aportar a la historia del cine mucho más que las filmografías enteras de muchos otros; ahí tienen el ejemplo de Terrence Malick. El arte es cuestión de calidad, no de cantidad.

También es cierto que no son pocos los casos de jóvenes artistas que, tras unos comienzos fulgurantes, ven cómo su talento se desinfla hasta acabar convertidos en una sombra de lo que algún día fueron. Aventurar que Rodrigo Cortés va a ser uno de los grandes del cine español es, sin duda, un riesgo. La vida puede dar muchas vueltas, y el que hoy es un creador arriesgado mañana puede acabar convertido en un mercenario que se gana el pan filmando mediocres telefilms de sobremesa. Pero creo que arriesgarse y salir en defensa de lo nuevo es una obligación moral del crítico, tal como explicaba el experto gastronómico Anton Ego en el célebre discurso final de Ratatouille:

«En muchos sentidos, el trabajo de un crítico es sencillo. Arriesgamos muy poco y sin embargo disfrutamos de una posición privilegiada sobre aquellos que ofrecen su trabajo y su persona a nuestro juicio. Gozamos con las críticas negativas, que son fáciles de escribir y de leer. Sin embargo, la amarga verdad que los críticos debemos enfrentar es que, en el gran orden de las cosas, un simple bocado de basura es más significativo que la crítica que lo califica de esa manera.

Pero hay ocasiones en que un crítico realmente arriesga algo, y esto ocurre en el descubrimiento y defensa de algo nuevo. El mundo es a menudo injusto con los nuevos talentos, las nuevas creaciones; lo nuevo necesita amigos.»

Muy poco mérito tiene decir que Hitchcock es un gran cineasta. A estas alturas, todo el mundo lo sabe. El mérito lo tuvieron François Truffaut y los cahieristas franceses, que lo supieron abrazar como maestro cuando en Estados Unidos apenas lo consideraban un hábil artesano. La reivindicación de los nuevos talentos me parece mucho más productiva que el culto indolente a las «vacas sagradas». Por eso encuentro mucho más estimulante dedicarle un monográfico a un cineasta que todavía se encuentra en el albor de su carrera que dedicárselo a maestros consagrados de la talla de Fritz Lang, Orson Welles o Stanley Kubrick —por poner sólo unos pocos ejemplos—, sobre los cuales ya existe una abundante bibliografía escrita por gente mucho más erudita, y a la que un servidor difícilmente podría aportar nada nuevo. Sobre Cortés, en cambio, se ha escrito muy poco, y a menudo de manera muy errónea o superficial, lo que hace aún más urgente un estudio detallado de su obra.

Los artistas evolucionan con el paso del tiempo y es posible que el Cortés de dentro de unos años poco se parezca al de hoy en día. Picasso comenzó su carrera pintando como los genios del Renacimiento para acabar su vida pintando como un niño. Es evidente que sólo después de la muerte de un creador se puede valorar con propiedad el conjunto de su obra, y es posible que dentro de unos pocos años las conclusiones de este estudio queden más que obsoletas. Sin embargo, creo que a menudo los primeros trabajos de un artista ya muestran indicios de su devenir ulterior. La obra de Picasso pasó por varias etapas radicalmente diferentes entre sí (período azul, período rosa, protocubismo, cubismo analítico, cubismo sintético), pero en todas ellas se reconoce a un mismo artista, una continuidad de discurso, de mirada. Lo mismo sucede, por ejemplo, con el cine de Amenábar: a pesar de lo radicalmente diferentes que son entre sí dos películas como Tesis y Ágora en ambas se puede detectar una serie de constantes estéticas y temáticas que nos revelan que son obra de un mismo cineasta. Así pues, el interés de un estudio como el que aquí proponemos reside en identificar los rasgos estilísticos presentes de un artista para dentro de unos cuantos años echar la vista atrás y comprobar cuáles de ellos han permanecido constantes y cuáles, en cambio, han evolucionado.

En definitiva, el objetivo de este monográfico no es más que el de ofrecer un primer intento de aproximación a la figura de un cineasta que dará mucho de qué hablar en el futuro, estamos seguros. Acercamiento un tanto incompleto, todo hay que reconocerlo, dada la escasez de documentación disponible sobre el artista y la dificultad para acceder a sus primeros trabajos, que harán que el estudio carezca de todo el rigor que nos gustaría, pero que en cualquier caso nace con vocación de convertirse en el informe más completo sobre Cortés que se pueda encontrar en la red hasta el momento. Desde Positivando agradecemos cualquier aportación de los lectores que ayude a corregir y a completar la información publicada en este estudio.

(1) Alejandro Amenábar. Cine en las venas, de Antonio Sempere (Nuer, 2000); Cómo hacer cine 1: ‘Tesis’ de Alejandro Amenábar, de Cecilia Vera (Fundamentos, 2002); Amenábar, vocación de intriga, de Oti Rodríguez Marchante (Páginas de espuma, 2002); La pantalla especular: Una lectura metatextual del cine de Alejandro Amenábar, de Santiago Juan Navarro (Letras Peninsulares, 2003); Alejandro Amenábar, de María Asunción Gómez y Santiago Juan Navarro (Cinéastes, París, 2003); algunos de ellos incluso traducidos a varios idiomas.

'Enterrado', y todavía sin aliento

2010-10-04T17:55:00.007+02:00

Uma Thurman en la saga ‘Kill Bill’ ya lo había hecho antes, pero solo a medias. Nadie hasta ahora había llevado tan lejos el concepto de enterrar a alguien vivo como Rodrigo Cortés, realizador y montador de la recién estrenada ‘Enterrado’, que no ha hecho más que atesorar premios a lo largo y ancho del mundo, de una manera más que merecida.

El punto de partida no puede ser más directo: un contratista civil destinado en Irak, Paul Conroy, se despierta dentro de un ataúd con la única ayuda de un mechero y un teléfono móvil. Es una de las apuestas más arriesgadas que servidor pudo ver en pantalla grande, si bien es cierto que, y como mi compañero i-chan comentó en esta entrada, el realizador orensano, movido por el libreto de Chris Sparling, no fue el primero en encerrar a alguien vivo dentro de una caja de madera. Pero hay una cosa en la que si fueron pioneros, y es en arrastrar hasta sus últimas consecuencias, llevando al publico por una amplia vorágine de emociones y sensaciones, un filme que, aun después de que sus créditos finales hayan terminado, te mantiene pegado a la butaca como si tu también estuvieras atrapado dentro de ese ataúd (en la sesión a la que yo asistí presencié algo digno de comentar, y es que toda la gente de la sala se quedó en absoluto silencio aun después de que las luces se hubieran encendido).

Ryan Reynolds da una clase magistral de interpretación, y aunque es cierto que era la parte implicada en la cinta que esperaba con más recelo, conforme iba avanzando el metraje me fui también tragando uno por uno todos mis prejuicios, y acabé inclinándome ante un actor que, después de esto, ha demostrado que tiene mucho que decir. Cada jadeo, cada suspiro, cada arrebato de ira y cada destello de los ojos está expresado con contención y extrema sensibilidad, todo ello mientras la minuciosa cámara de Cortés lo sigue muy de cerca con movimientos que uno no se imaginaría que pudieran darse dentro de una caja. Sirva de ejemplo un paneo de 360º que roza la perfección, y que no hace sino acentuar la claustrofobia al acercar al espectador, en una toma sin cortes, lo cerrado del habitáculo y la extrema limitación de movimientos de Paul Conroy.

Cabe también en la cinta una parte de afilada crítica, siguiendo la estela de su ópera prima ‘Concursante’, que ya se había apoyado en un tirón de orejas al sistema financiero para contarnos la historia de un hombre que, pese a ganarlo todo, no hizo más que perder en la vida. Y en ese aspecto, ‘Enterrado’ es igual: nos da una trama donde el extremo sentimiento de soledad y abandono, lo impasible del mundo ante el mal individual y lo inmoral de la sociedad es una tapadera para un descomunal thriller psicológico que, jugando con todas las armas que podamos imaginar nos entierra a merced de un mundo impertérrito y carente de ética en una vital contrarreloj, donde la principal preocupación es la falta de oxígeno y la esperanza y el desánimo se entrelazan en un baile que nunca se sale de tono. El realizador apuesta así por una cinta que utiliza el contexto como vehículo para contar una historia, sin caer nunca en las brumas de la política, en cuyo caso los efectos podrían haber sido desastrosos.

Pero si hay algo atrevido y particularmente brillante es el montaje, obra también de Rodrigo Cortés. Los créditos iniciales ya nos dejan taladrados al asiento, mientras las reminiscencias a Saul Bass en ellos nos van involucrando poco a poco en la obra y nos traslada durante unos instantes al Alfred Hitchcock de ‘Psicosis’, con formas geométricas que se deslizan por la pantalla y un tema introductorio, con presencia de profundos graves y dinamismo, que se encarga de ir trabajando en nuestros sentidos poco a poco, preparándonos para el espectáculo que vamos a presenciar, tal y como el realizador tenía previsto:

La película está diseñada para ser no solamente vista, sino experimentada con el cuerpo, algo sensorial, para que se reaccione visceralmente ante ella.

El uso de los claroscuros y las elipsis es muy acertado, convirtiendo así nuestros ojos en los del protagonista. No hay concesiones al público poniendo en pantalla brillantes imágenes que hagan más fácil el visionado, sino que la experiencia es dura y agotadora, tal y como sería en la realidad, consiguiendo una empatía absoluta con los espectadores, que sufren cada movimiento y cada lágrima del personaje de Ryan Reynolds. El ritmo narrativo va siempre hacia arriba, de una manera que no parece posible teniendo en cuenta las limitaciones espaciales del escenario, y jugando todo el rato con las posibilidades que brindan los escasos objetos con los que cuenta dentro de la caja, esboza un frenético ejercicio de fuga donde la lucha por la supervivencia y la frustración son protagonistas.

La dirección de fotografía, obra de Eduard Grau, es de una eficacia pasmosa, puesto que los encuadres son funcionales pero a su vez innovadores e imaginativos, y su factura técnica impecable. Tanto es así que, en los 93 minutos que dura la cinta, no hay ni la más mínima rotura de raccord, y la composición de planos es, en todos los casos, equiparable a la calidad de la obra en su conjunto, que acaba por manifestarse como una ópera cuya traca final deja sin aliento y que se acompaña de la curiosa música compuesta por Víctor Reyes —que ya había trabajado con el artesano en ‘Concursante’— y por el propio Rodrigo Cortés.

Las interpretaciones que se pueden extraer de la cinta son cuantiosas, dando pie a numerosas reflexiones que nos llevan a pensar que la conjunción entre forma y fondo es de todo menos trivial. Podemos ver así entre sus líneas cual es el verdadero miedo del ser humano que, vestido de claustrofobia y a unos cuantos metros bajo la superficie del desierto, muestra que lo realmente inquietante es que, aun pudiendo contactar con todas las personas que queramos del mundo, nos encontremos con las trabas que adornan nuestra vida diaria —todos nos hemos peleado con un teleoperador o sufrido a una maquina dictándonos unos numeritos— y con la mezquindad humana, pero que cuando se sufren bajo tierra cobran una importancia capital. Siguiendo en esta línea, y convirtiendo la cinta en una pequeña metáfora, trasladando así el tema central de la misma a la vida real, pasaríamos a transformar el ataúd en nuestra burbuja vital, nuestra particular atmósfera, de la que no podemos salir ni nadie puede entrar, y el teléfono móvil se vería convertido en el vehículo con el que contamos para comunicarnos con los demás, pero siempre de una manera impersonal y a través de un auricular. Pero llegado el momento de la verdad, nos encontraríamos con que la burbuja no explota y el móvil se queda sin batería, y nos transformaríamos en algo condenado a extinguirse en silencio, ya que nadie escucha y no importa donde estés. Pero todas estas vueltas de tuerca no serían más que divagaciones sobre una historia que, en primera instancia es una verbalización de la angustia que se puede llegar a experimentar ante situaciones adversas, y en última instancia, arte en estado puro. No es posible buscarle más literatura a algo que, de manera inherente, se muestra simple y llano, y que, de manera clarificadora, expone las penurias de alguien que ha sido degradado a comparsa y cuya situación se presenta muy complicada y contenida.

Resumiendo, una obra mayor dentro del séptimo arte, y muy en especial dentro del cine de nuestro país, que por fin va engrosando su currículo con cintas que muestran lo maravilloso del cine sin salir de nuestras paredes. Solo me queda recomendar encarecidamente su visionado —a poder ser en una sala de cine— y dar la enhorabuena a Rodrigo Cortés y todo su equipo.

'Una feliz Navidad', Patxi Freytez también fue enterrado vivo

2010-10-02T03:54:00.007+02:00

Una Feliz Navidad from allmura films on Vimeo.

No, no es que me haya equivocado al mirar la fecha del calendario. Simplemente he pensado que el estreno de la imprescindible Enterrado —¡todos a verla al cine ya!— nos sirve como excusa perfecta para revisitar un corto de 2001 que tiene no pocas coincidencias argumentales y estéticas con el último film de Rodrigo Cortés. En ella, el guionista y realizador Julio Díez encerraba vivo en un ataúd a Patxi Freytez... con un mechero y un teléfono móvil. ¿Les suena? Dentro de ese ataúd, Freytez vivirá situaciones muy parecidas a las de Paul Conroy, aunque en un tono más humorístico y jocoso —aunque tampoco mucho más, Buried también tiene mucho de comedia negra—.

Algunos pensarán: ¿casualidad o plagio? Teniendo en cuenta que el abanico de vivencias que se pueden experimentar en el interior de un ataúd no es que sea especialmente amplio, tampoco debería extrañarnos que Julio Díez y Chris Sparling hayan imaginado situaciones parecidas. Y aún en caso de que Sparling conociera el corto de Díez —al fin y al cabo, está disponible en la red con subtítulos en inglés—, tampoco es que el español hubiera hecho algo que no se había hecho antes; el miedo a ser enterrado vivo es una fobia de lo más común que ya ha sido tratado en literatura, cine y televisión en numerosas ocasiones. Por otra parte, es evidente que no es lo mismo mantener a alguien enterrado durante 10 minutos que hacerlo durante 90, y además sin salir en ningún momento del ataúd. Pero ya veréis como si la película tiene éxito comercial, no tardarán en aparecer las típicas acusaciones de plagio reclamando su parte del pastel, y a los numerosos antecedentes me remito. Sea como sea, disfrutad del corto de Díez si aún no lo habéis visto, porque es el perfecto complemento del largometraje de Cortés para este fin de semana.

Nota: En el vídeo que encabeza el post están cortados la frase final del corto y los títulos de crédito. Podéis ver en corto completo en Google Videos, pero a bastante peor calidad.

'Conocerás al hombre de tus sueños', y la frivolidad se hizo carne

2010-09-29T02:29:00.004+02:00

Este año, como viene siendo habitual desde hace una treintena, Woody Allen no faltó a su cita anual, protagonizada esta vez por ‘Conocerás al hombre de tus sueños’, libre traducción de ‘You Will Meet a Tall Dark Stranger’. Y yo, como buen fan del neoyorquino, no pude faltar a una de esas fechas que están marcadas en rojo en mi calendario. Esta vez, nuestro particular enamorado de Oviedo, nos narra una historia no muy alejada de su anterior obra, ‘Si la cosa funciona’, aunque la crítica la haya tratado como si la hubiera dirigido un Woody Allen en piloto automático y carente de toda emoción. Digo que guardan una estrecha relación porque ambas se centran en las relaciones humanas a un nivel que, disfrazado de falsa superficialidad y usando la comedia triste, se muestra como un profundo ensayo que desmenuza las idas y venidas de unos caracteres en continua crisis y que, dando igual como se les muestre la vida, serán incapaces de encauzar sus existencias hacia ningún paradero conocido o al menos no destructivo. Es una obra coral, que mediante un magistral uso de la metáfora social, nos invita a pensar que la sociedad está levemente carcomida por frivolidades que convertimos en montañas, todo ello sin perder nunca un extraño sentido del humor, muy marca de la casa.

Pero claro, no hay cara sin cruz, y esta cinta no iba a ser menos. Pese a que sus actuaciones son todas muy correctas, como no podía ser de otra forma teniendo en cuenta que el señor Allen es uno de los más efectivos directores de actores de la historia del cine y su reparto de lujo, que cuenta con la siempre magistral Naomi Watts, un entrado en kilos para la ocasión Josh Brolin (tuvo que engordar 20 kg. para su rol en este filme), un Anthony Hopkins que, aunque muy lejos de ‘El silencio de los corderos’, sigue convenciendo como antaño, una Gemma Jones que conseguirá que te de grima cada vez que aparece en pantalla, una Freida Pinto en emergencia (debutó con la multioscarizada ‘Slumdog Millionaire’ y ahora se encuentra filmando la nueva precuela de ‘El planeta de los simios’) y un Antonio Banderas en buena forma, en un papel que le viene a la medida y que él enfrenta con naturalidad, no puedo pasar por alto el hecho de que hay algo que no funciona. Por un lado, el papel de Lucy Punch nos recuerda demasiado al de Evan Rachel Wood en ‘Si la cosa funciona’, algo no muy descabellado teniendo en cuenta que el realizador siempre trabaja sobre los mismos renglones (salvo excepciones como ‘Match Point’), pero negativo si tenemos en cuenta que ha pasado muy poco tiempo desde que Larry David irrumpiera en las pantallas y que el talento interpretativo y el carisma de Lucy Punch está en desventaja frente al de Evan Rachel Wood. También entrando en la comparación, se podría decir que el personaje de Josh Brolin es el equivalente al de Larry David, que a su vez equivale al que Woody Allen interpretaría de seguir actuando, algo que, no obstante, no lo considero una crítica negativa, sino más bien una anáfora, uno de los roles por los que el neoyorquino siente más simpatía, aunque también es cierto que en esta última obra, el realizador adaptó el personaje para dirigirlo a un mayor número de potenciales empatizantes suavizando sus maneras y su subyacente misantropía.

Por otro lado, aunque la obra en su conjunto pretende dar una visión global alejada de las resoluciones baratas, falta quizás algo de impredecibilidad. Las consecuencias de las acciones de los personajes son en la mayoría de los casos esperables, y rara vez te sorprende a donde les está llevando su ignorancia moral y psicológica. Pero claro, tampoco se puede obviar que, al ser una cinta ‘de personajes’ como la gran mayoría de las firmadas por el director, goza de vida propia, y las pautas que siguen los caracteres de la cinta se van escribiendo a si mismas conforme avanzamos en la trama, que apuesta a su vez por un desarrollo estático y rítmicamente estable, sin traspiés ni saltos vertiginosos.

La historia es, siguiendo lo que nos tiene acostumbrados, serena y apacible, un fiel reflejo de lo que a cualquier persona le puede ocurrir, mostrando una vez más lo patético de la condición humana cuando ha de enfrentarse a situaciones que se perciben como desbordantes y que se retroalimentan una y otra vez llegando a caer en la incongruencia, como bien demuestra el personaje de Naomi Watts, una mujer atrapada en una espiral de rutina que se muere de ganas por encontrar su lado creativo y bohemio al lado del célebre dueño de una galería de arte, papel a cargo de nuestro Antonio Banderas. Pero una vez la vida le da la vuelta a todo y sus intereses se ven en peligro, abandona toda misericordia para entregarse a una relación consigo misma victimista, que nada hace más que alimentar su creciente desencanto.

La ambientación es, como siempre, un ejercicio muy personal, que enmarca a los personajes en un contexto convencional y cotidiano, con imágenes que cualquiera de nosotros se podría encontrar por la vida (aunque sea poco convencional ver a Freida Pinto medio desnuda por la ventana), y haciendo gala de algo que es lo que mejor sabe hacer este realizador: convertir en cotidianos momentos que, por su potencia, son dignos de estar entre los más excitantes, tanto a nivel vital como profesional. La fotografía, sin alardes pero efectiva, firmada por Vilmos Zsigmond, que ya había trabajado antes con Allen en ‘El sueño de Cassandra’ o ‘Melinda y Melinda’, es tranquila y armónica, con grandes pasajes con el color amarillo a lo retro predominando y encuadres dinámicos, todo ello introducido por unos créditos muy a lo comedia de Billy Wilder, con música años 50 y tipografía clásica, como viene a ser ya habitual (sentarse en la butaca y ver esa entrada ya es todo un placer).

Todo esto y más es lo que nos ofrece la última cinta de Woody Allen, fantástico doctor de las relaciones entre personas, y aunque no voy a decir que sea la enésima obra maestra del de New York, si puedo afirmar que, pese a todo, este hombre siempre ofrece un producto de calidad que, como poco, te va a entretener y dejarte con un buen sabor de boca.

'Lilya Forever', mi corazón está ardiendo

2010-09-19T15:39:00.006+02:00

Las primeras notas de Mein Herz Brennt de Rammstein comienzan a sonar seguidas de su arrolladora potencia. Oksana Akinshina, en el papel de Lilya, corre por las calles de una Suecia decadente y húmeda, desencantada con el mundo y deseando desplegar sus alas de ángel. Así comienza la desarmante 'Lilya forever', un drama sobre la prostitución y el abandono, sobre la fuerza de voluntad y el firme propósito de no dejarse desplomar aunque todo vaya mal.

Lukas Moodysson, sueco y pasional, nos deja así una impresionante historia que nos habla, sobre todo, de lo impasible que se muestra el mundo cuando más lo necesitas. Entre sus líneas se puede leer la desazón con la que se aborda el tema, y aunque faltan planos que expliciten lo más crudo de la vida de Lylia, sobran sensaciones que, tras su visionado, hacen del cine una experiencia única y conmovedora.

Lilya es una adolescente nacida en la antigua URSS, que, tras ser abandonada por su madre de la manera más fría y egoísta, intenta sobrevivir como cordero en un mundo de leones de la única manera que a una chica como ella se le permite: vendiendo su cuerpo, la única pertenencia que todavía no le habían arrebatado. Volodya, su único y joven amigo, está enamorado de ella aunque sus aun por madurar e inexplorados sentimientos no se lo dejan pronunciar. La acompaña en su calvario, y ella le corresponde logrando que la vida de este muchacho no sea tan miserable como se la presentan las circunstancias. Van de la mano por un mundo que se cae a pedazos, donde el engaño más vil es el pan nuestro de cada día, por más que nuestra sufrida protagonista rece ante su preciado cuadro todos los días pidiéndole al cielo que, por favor, no consienta que la vida se destroce a si misma.

Pero no es hasta que el apuesto Andrei, encarnado con corrección pero sin brillantez por Pavel Ponomaryov, le propone abandonar toda penuria y comenzar junto a él una nueva y prometedora vida en Suecia, su país natal, dejando a Lilya sumida en un dilema, cuyos extremos son la promesa de paz y un nuevo comienzo y el abandono en la miseria de ese amigo que estuvo con ella en los peores momentos. Comienza así un espectáculo de resignación y desencanto que, seguido de cerca por el firme y a su vez tembloroso objetivo de Moodysson, nos llevará a lo más hondo del arraigo a la vida y a su vez al odio que se le puede llegar a profesar.

No deja de resultar impresionante que una joven como Akinshina, descubriendo todavía el mundo, haya sido capaz de plasmar con semejante veracidad el mundo de la prostitución y la trata de blancas, haciendo que su bello y joven rostro refleje lo que sea que reflejen los de esas pobres chicas que se ven arrastradas sin remedio a una espiral de dolor y sexo, de drogas y violencia. Una interpretación que roza lo sublime, que hace que percibas esta obra mayor como si de un documental se tratase.

Siguiendo la pauta marcada por grandes obras con las que comparte temática o, al menos, tónica, como la excelente 'Réquiem por un sueño' de Darren Aronofsky, que aunque no es su tema principal lo saca a relucir, o la también durísima 'Yo, Cristina F', de Uli Edel, que cuenta como los horrores de las drogas arrastraron a una adolescente a vender su virtud para poder sobrevivir, consigue atrapar entre sus redes al espectador, haciendo que sienta lástima de la verdadera. Sus claras influencias, así como su diseño de producción sórdido y su fotografía fría y distante hacen que el filme resulte ser una pequeña joya de visionado obligado para cualquier buen amante del séptimo arte. No faltan en ella un guión, firmado por el realizador, efectivo y truculento, algo difícilmente alcanzable, ya que la mayoría de dramas sociales acaban por caer en el sobredimensionamiento de la pena para poder así alcanzar un trocito del corazón del público. No es este el caso, puesto que entre su adecuado metraje sobran momentos que brillan con luz propia gracias al olor a vida que desprenden, pese a lo enfermizo de la situación. Grandes planos generales se entrelazan con precisos travellings y cámaras fijas, consiguiendo lo que todo director debería soñar con alcanzar: olvidarse del lucimiento técnico y hacer que el público olvide que tras la imagen de la pantalla hay un equipo de personas dirigiendo la ficción que estamos contemplando, sin más ambición que transmitir una idea y llevarla hasta sus últimas consecuencias.

El tema principal, compuesto por Nathan Larson, es todo lo que cabría esperar de el. Sus notas, melancólicas y de buen gusto, son el acompañante perfecto para esta cinta, que a pesar de su crudeza y su leve atisbo experimental, funciona en todos los niveles, siendo uno de ellos la banda sonora que, valiéndose del tema recurrente y una selección entre la que están los mencionados Rammstein, que suenan en un momento espectacular, llegando incluso a parecer que hayan compuesto el tema pensando en la escena, VIA Gra para sus momentos más falsamente joviales o las partituras de Antonio Vivaldi, sucumbe ante el soberbio pulso rítmico del realizador

Estamos ante una de las mejor planificadas cintas que nuestros compañeros nórdicos nos han dejado, que, con Lukas Moodysson al frente, artificiero entre otras de 'Fucking Amal' o 'Juntos', y que apostó por una concepción visual vanguardista pero nada chirriante, logró trabajar en la psique colectiva para hacer que viera lo estremecedor que resulta estar realmente solo cuando todo parece ir mal, transmitir lo doloroso del abandono por parte de alguien que quieres, contar como aun con todo eso encima, puede quedar algo que nos invite a vivir y a regocijarnos en las promesas que, a toda fe, sabemos que se cumplirán, en esta vida, o en la otra. Ya lo dijo Lukas Moodysson:

'No hay muchas películas que retraten lo que significa estar vivo'

Lilja 4-ever.

Los hermanos Coen (III), 'Muerte entre las flores'

2010-09-15T01:31:00.007+02:00

En el año 1990, los hermanos con el humor más negro del cine decidieron abandonar el camino tomado en su anterior 'Arizona baby', para enfrascarse en un viaje a través del cine más negro, ese que tiene como obra máxima e intocable 'El Padrino'. Un reto que no se presentaba nada fácil puesto que el género siempre fue poco dado a la renovación, por otro lado necesaria ya que la alargada sombra de la trilogía de Francis Ford Coppola marcó de por vida a muchos realizadores que se creyeron incapaces de superarla. No es el caso de Joel e Ethan Coen, que propusieron un magistral filme que, con los años y en lo que a mi respecta, se ha convertido en una de sus grandes obras maestras.

Nos situamos en un lugar sin nombre en el año 1929. Tom, encarnado por un increíble Gabriel Byrne, es la mano derecha de Leo, un Albert Finney en estado de gracia. Pero no tardará el lugarteniente del gangster más importante del lugar en plantarle cara a su protector, y que mejor manera para hacerlo que enamorarse de su mujer y luchar por su amor de una manera un tanto peculiar. De esta manera, y cegado de rabia por la falta de respeto de su subalterno, pero aun así cauteloso por el cariño que el paso de los años ha hecho que sienta por el, Leo declara la guerra a Tom y sus nuevos seguidores, dando pié a un entramado de traiciones, falsas apariencias y corrupción.

Ni que decir tiene que este despliegue se desarrolla en el más profundo de los niveles, atesorando grandes escenas en las que se nos muestra a los personajes desnudos, desprovistos de toda exigencia del guión y obviando por completo cualquier posible deux ex machina que, de manera ineludible siempre acecha a cualquier guionista (los hermanos Coen abordarían este tema más adelante en su notable 'Barton Fink'), resultando de una complejidad moral atípica en la que los sentimientos de nuestro protagonista son, a menudo, enfrentados entre la rabia de que su amada pertenezca a otro hombre y que ese hombre sea su mentor.

Gabriel Byrne da una verdadera lección de interpretación, recordando la composición de su personaje y la manera de abordarlo a veces al Tony Montana de Al Pacino. Este infravalorado intérprete tiene aquí su recompensa a su extensa pero poco agradecida carrera, que a todas luces supo aprovechar, ya que su intrincado rol le exigía grandes dosis de contención con pequeñas pizcas de la frialdad de los más grandes. Su relación con una muy dramática Marcia Gay Harden (en el papel de Verna) es tortuosa y con altibajos emocionales, todo ello no motivado por el personaje de Albert Finney, sino por el excéntrico John Turturro, Bernie, hermano de Verna y especialista en trabajillos de poca monta, cuyo fin está cerca debido a ciertos problemas relacionados con las apuestas. La muy trabajada química entre Harden y Byrne hace que sus escenas juntos desprendan chispas, consiguiendo que prestemos la máxima atención a los posibles cambios en la relación entre ambos que, ineludiblemente, podría cambiar la suerte de Tom.

Pero es John Turturro quien nos muestra el lado más humano de Gabriel Byrne, en una escena que corta el aliento con un revólver y un bosque por protagonistas. La mirada refleja compasión, pero el pulso no se altera ante nada. Las plegarias y el miedo a la muerte están en el ambiente, pero los oídos se quieren hacer los sordos. La humillación se cobra su víctima, y es entonces cuando con absoluta elegancia y templanza, Tom dispara su arma y se da la vuelta con una expresión inescrutable en el rostro solo al alcance de quien vive esa situación como si fuera propia. La situación no entiende lo que acaba de ocurrir, pero es que para entenderlo, Tom debería dar más muestras de sus verdaderas motivaciones, algo que de ocurrir desvirtuaría por completo al personaje y vaciaría por completo su razón de ser. La amoralidad y la falta de principios son los rasgos principales de una personalidad inquietante y sobria, que mediante actos ocultos va mostrando poco a poco quien es y porque hace lo que hace, nunca quedando sobre el papel la razón última de sus actos.

La historia está, cambiando de tercio, narrada con pericia, consiguiendo que el espectador olvide que está ante una pantalla para introducirse de lleno en la historia. No hay alardes técnicos ni pomposidades superfluas, solo una precisa cámara que ejerce de ojos y oídos de una historia perfectamente delimitada y sin cabos sueltos. Su contenido y su forma están en perfecta armonía, y su violenta pero poética puesta en escena da fe de ello, tejiendo entre sus planos escenarios de pesadilla y personalidades sarcásticas y mentirosas, ni siquiera preparadas para pronunciar la verdad ni ante si mismas. El juego que protagonizan Tom y Verna está narrado de manera irresoluble, dando a entender que no hay posibilidad de arreglo, ni siquiera cuando los dos amantes se pretenden abiertamente y sin tapujos.

La banda sonora es, como no y viniendo de Carter Burwell, una maravilla. El compositor, colaborador habitual de los hermanos (creó la música para todas sus cintas salvo para 'O Brother!', que estuvo a cargo de T. Bone Burnett), es, como nos tiene acostumbrados, atmosférica y acompañante, realzando y reforzando la parte visual de un filme que, con la guinda que le aporta la melodía, se erige como una perfecta simbiosis sensorial, satisfaciendo a todos los niveles una gran experiencia para los sentidos.

Barry Sonnenfeld repite con ellos detrás de los objetivos, siendo su fotografía una vez más excelente. Su ambiente paradójicamente sórdido e irónico responde a la perfección ante la necesidad de crear traición y desperdigamiento, con luminosidad y claroscuros. Después de este filme, los Coen no volverían a trabajar con el director de 'Men in black', y pasarían a confiar sus encuadres a Roger Deakins.

No cabe duda de que con esta película alcanzaron la cumbre de su talento, que sufrió de ciertos altibajos con el paso de los años. Su osado estilo culminó así erigiéndose como uno de los más prometedores en los años venideros, ya que gracias a la cinta que nos ocupa se metieron en el bolsillo a crítica y público, aunque hoy en día son más conocidos por el ácido y negro sentido del humor del que impregnaron sus más famosas obras. La facilidad que poseen para hilvanar a la perfección todo tipo de historias los ha convertido en excelentes guionistas y adaptadores de novelas, muy conscientes siempre de que el séptimo arte usa unas herramientas y un lenguaje narrativo propio.

No queda sino disfrutar de cintas como esta, cuyos infinitos detalles hacen de ella una perfecta candidata para una revisión. Y como no, para poder apreciar esa última mirada que Gabriel Byrne le dirige a Albert Finney, en la que lo dice todo y no dice nada, en la que ha ganado, pero también ha perdido, ya que entre los hilos de toda la película, se deja ver con facilidad una relación de amistad contradictoria y dolorosa que, a pesar de todo intento por perseverar, se ve estancada por unos motivos que son personales e intransferibles de uno de los personajes más complejos que saliera jamas de las manos de los hermanos Coen.

En la siguiente entrega analizaré la apuesta más arriesgada de nuestros judíos favoritos, 'Barton Fink', un drama en el que se aborda el metacine que, además, es una muy cruda crítica al funcionamiento de las productoras cinematográficas.

Primera entrega: 'Sangre fácil'
Segunda entrega: 'Arizona baby'

El terror como retrato del ser humano

2010-09-13T06:23:00.010+02:00

El cine Francés siempre tuvo algo de particular, y es que su modo de narrar rigiéndose por convenciones propias, tales como la contemplación, el ritmo pausado y el expresionismo visual no pasan desapercibidos ante nadie, por muy alejado que este uno de una posición analítica.

Claros ejemplos tenemos a este respecto, desde Alain Resnais hasta Jean-Pierre Jeunet, cuyas obras más representativas hacen gala de todo lo bueno que tiene el cine de nuestros vecinos, desde 'L'amour à mort' hasta 'Le fabuleux destin d'Amelie Poulain', más conocidas por aquí como 'El amor ha muerto' o 'Amelie'. Claro que no hay que haber nacido en este país para utilizar este estilo, pues ahí tenemos a gente como Michael Haneke, Lucrecia Martel o el Paul Thomas Anderson de 'Pozos de ambición', aunque a mi modo de ver estos últimos se dejan llevar por formalismos estéticos y olvidan una cosa muy importante: el alma del filme, la facilidad para evocar sensaciones que parecen tener todos los franceses muy hondo de su ser. Hay demasiadas cintas que se jactan de ser cinematográficamente puras (entendiendo esto como una representacion de que el séptimo arte se apoya en imágenes en movimiento ante todo y que sobra cualquier elemento extra) pero que carecen de la belleza propia de obras que no solo son arte visual, sino que también son hologramas de la propia alma.

No obstante, existe por ventura cierto género que, gracias a constantes revitalizaciones va conociendo una salida al mundo alejado de los más sangrantes tópicos. Me estoy refiriendo, como no, al terror.

Lejos han quedado ya cintas de lo más representativas como 'Viernes 13', 'Pesadilla en Elm Street' o 'La matanza de Texas', cuyas virtudes residían en que apostaban por algo aun no muy explotado, o al menos no tan trillado, como es el slasher. El poder de convocatoria de este género en aquellos maravillosos años respondía a las exigencias de un público que pedía emociones fuertes y verdaderas dosis de sangre, algo bastante ausente a no ser que nos fuéramos a la serie Z. Pero hoy en día, cansada como está la gente de ver asesinos en serie y atrocidades de lo más imaginativas, hay que ofrecer algo más para que la chispa no se apague y continuemos pasando miedo del genuino y mordiéndonos las uñas en señal inequívoca de angustia. Y en este punto es donde entramos en todo lo antes referido acerca del cine francés y como su modelo narrativo puede aportar algo al percal que hay montado alrededor de los 'Saw' y los 'Miedos 3D'.

'Martyrs' es una cinta de género dirigida por Pascal Laugier. Nos cuenta la historia de una niña que fue sometida a las mayores aberraciones que la más enferma de las mentes pueda imaginar, y lo mejor de todo es que desconocemos absolutamente el motivo. No quiero decir que no sea violenta, que lo es, o que no haya escenas polémicas porque si, que las hay, si no que a través de su metraje, oscuro y aterrador, hay un elemento que inspira mucho más temor que los miembros cercenados, que es la brutalidad y el extremismo del ser humano.

Su mirada sucia hacia la raza humana, ensombrecida por lentes de retazos bíblicos, la convierte en una obra que enarbolar cuando se hable de terror en estado puro, sin sobresaltos baratos a golpe de decibelio súbito y con mano firme a la hora de marcar un ritmo estable aunque deliciosamente impredecible. La cinta puede ser contemplada como una única unidad, que presenta, desarrolla y desenlaza, o bien puede funcionar como dos unidades, pudiendo ser la primera calificada como 'la consecuencia del mal' y la segunda como 'el origen del mal' o, simplemente, 'la mártir'. Muy interesante la manera del artesano tras las cámaras de mostrar como se puede alcanzar la redención de una manera poco habitual, y como todo ello puede llevar a la felicidad 'no deseada', tal y como dijo Gustave Flaubert:

La felicidad es una cosa monstruosa. Quienes la buscan encuentran su castigo.

Mylène Jampanoï (que trabajó muy recientemente con Clint Eastwood en su esperadísima 'Hereafter') y Morjana Alaoui, protagonistas absolutas de la cinta, se mueven delante de las cámaras con una soltura y una credibilidad envidiables, creyendo ver en todo momento a dos pobres mujeres enfrascadas en un absoluto caos del que no pueden escapar. Palabras mayores de mano de dos semi-desconocidas, demostrando gran sensibilidad, firmeza y contención (las lágrimas de Morjana Alaoui me hicieron revolver en el asiento).

Otra obra a tener en cuenta dentro de este movimiento sería 'À l'intérieur', de Alexandre Bustillo y Julien Maury, aunque su desesperación por impactar y sus giros argumentales poco desarrollados la convierten en débil combatiente contra la excelente 'Martyrs'.

Pero claro, después de hablar de las bondades de nuestros vecinos para convertir el horror en religión, sin abandonar en ningún momento el estilismo y el buen hacer, no puedo pasar por alto el hecho de que si, a alguien tenemos que agradecer el pavor más desenfrenado, es a los orientales, esos grandes desconocidos para el gran público, pero que sin duda alguna renovaron el género, entre otros gracias a Hideo Nakata, que consiguió con su 'The Ring (Ringu)' toda una revolución cinematográfica al mezclar el que tras su obra se convirtió en el estereotipo básico del terror nipón, la mujer desgreñada y silenciosa, con la tecnología, tras lo que le siguieron un sinfín de filmes hermanitos para aprovechar el filón, o Takashi Miike, transgresor y violento, que con obras como 'Ichi the Killer' se ha ganado el favor de crítica y público. No obstante, y a pesar de lo influyentes que hayan podido resultar esas dos últimas cintas mentadas, voy a hablar de una obra quizás no tan asequible, pero si mucho más rica e impactante. Se trata de 'Audition', del mismo Miike.

Nos cuenta la historia de un hombre que, tras el fallecimiento de su esposa, convoca un casting con la ayuda de un amigo productor para un filme imaginario con el fin de encontrar una mujer que le acompañe en su vida ahora tan vacía. Este punto de partida aparentemente tan convencional y que bien podría ser el de una común comedia de enredo, no es sino una tapadera para dejar libre un monstruo, un retorcido y brillante ejercicio de opresión que bien podría venir firmado por David Lynch. Su preciosismo visual, su arriesgada composición, su estilo narrativo y su ritmo in crescendo son una muestra de que, tras las telas de la confianza hay un reverso tenebroso que nos puede envolver en una espiral de delirio y pesadillas. Con suma destreza, y después de un primer acto apacible, el director nos lleva hacia el mundo onírico, y nos crea tal duda acerca de todo lo que creímos haber visto, que tras los créditos nos quedaremos un rato mirando el televisor apagado reflexionando sobre la fragilidad y la maldad del ser humano en forma de mujer desencantada con la vida. Sus enormes interpretaciones, obra de Ryo Ishibashi y Eihi Shiina, son un aliciente más para contemplar esta cinta, aunque es mejor hacerlo después de haber dejado el sentido del asco en la habitación, pues aunque la casquería no es ni mucho menos al estilo 'Braindead', si consigue, con muy poco, despertar la grima y los mordiscos al cojín.

El terror es un género que se manifiesta como verdadero desasosiego cuando nos enfrenta a lo posible y no a lo sobrenatural. Después de ver 'Alien', todos abandonamos nuestra postura y nos damos cuenta de que es altamente improbable que un bicho desproporcionado nos intente devorar hasta dejarnos secos, pero no resulta tan inconcebible encontrarse con una mujer que solo desea que la amen, y es capaz de todo por conseguirlo.

En los largometrajes de terror, creemos que el elemento terrorífico es un aspecto especial que no existe en la vida real y por eso lo disfrutamos solo en la sala de cine. Pero en la vida también existen cosas terroríficas y son llevadas a cabo por los seres humanos. Todas las personas lo llevamos dentro. De esta manera, filmando a los seres humanos la película adquiere de forma natural un tono de terror.

Takashi Miike

(Kiri, kiri, kiri)

'Origen', final extendido

2010-08-08T17:32:00.006+02:00

Aquellos que ya hayan visto 'Origen' sabrán que una de las cosas que más está dando que hablar de la película es su puñetero y juguetón plano final —con claras reminiscencias de 'Blade Runner', por cierto— que ha llevado a más de un espectador a cuestionarse la veracidad de todo lo que le ha sido contado en la misma. Lo cierto es que no recuerdo ninguna otra película en la que un simple corte a negro hubiera provocado tantas exclamaciones en una sala. Pues bien, aquí os traigo una versión extendida de dicho final. Huelga decir que si no habéis visto la película, ni se os ocurra reproducir el vídeo, ya que os estropeará el desenlace de la misma. Si ya la habéis visto, en cambio, no os perdáis el vídeo, uno de los más divertidos e hilarantes que he visto en mucho tiempo.

Fiesta del cine 2010

2010-06-05T05:31:00.010+02:00

Este fin de semana se celebra, por segundo año consecutivo, la Fiesta del cine, iniciativa destinada a fomentar la asistencia a las salas en una época en la que, tradicionalmente, los exámenes y la llegada del buen tiempo suelen provocar un importante descenso del número de asistentes. Tras el éxito de la edición del año pasado, de la que se beneficiaron unos 700.000 espectadores, este año no sólo se repite jugada sino que además se aprovecha para subsanar algunas de las deficiencias de la edición anterior. Y es que mientras el año pasado sólo había un día en el que se podía conseguir la acreditación y otros dos días para poder disfrutar de películas a 2 euros, en esta ocasión se ha ampliado considerablemente el plazo para adherirse a la promoción: 3 días para conseguir la acreditación y otros 3 días para poder disfrutar de cine a 2 euros la entrada.

La mecánica es muy simple. Los espectadores que acudan a cualquiera de las salas de cine adheridas a la promoción (322 en total) los días VIERNES 4, SABADO 5 y DOMINGO 6 DE JUNIO recibirán, por la compra de una entrada a precio normal, una acreditación con la que podrán acudir al cine, el LUNES 7, MARTES 8 Y MIERCOLES 9 DE JUNIO, tantas veces como quieran, a cualquier película de la cartelera por el precio único de 2€ por entrada, a excepción de las proyecciones en 3D, que podrán estar sujetas a suplementos adicionales. Más información en la web oficial.

Lo peor de esta iniciativa es que se haga en una época en la que no suelen abundar los estrenos apetecibles. Y mientras que el año pasado un servidor aprovechó la oferta para verse media docena de películas —por las cuales no hubiera pagado 7 euros, pero sí 2—, dudo que este año vuelva a hacer lo mismo porque la inmensa mayoría de películas en cartelera o bien ya las he visto o bien no me interesan lo más mínimo, ni siquiera para ver a tan bajo precio. Con todo, alguna película caerá fijo. Espero que el evento tenga tanto éxito o más que la pasada edición y que el próximo año se vuelva a repetir.

'Dogville', una historia de terror

2010-05-05T05:12:00.009+02:00

Un hombre curioso Lars von Trier. Sin duda alguna, alguien a tener en cuenta en el cine moderno por sus diferentes y muy originales propuestas, todas ellas con algún elemento que o bien te puede revolver el estómago o dejarte pegado al sillón dándole vueltas a lo que quiera que sea que ha pasado por su cabeza a la hora de filmar. Para empezar, hablar de este danés es sinónimo de hablar de un movimiento que nació alla por 1995 llamado Dogma’95, cuyo pie de página vino firmado por este señor y por el tambien danés Thomas Vinterberg; en él, este par de cineastas, muy preocupados por el devenir del séptimo arte, redactaron algo que ellos vinieron a llamar ‘voto de castidad’, que no era otra cosa que una serie de reglas a seguir de manera estricta a la hora de filmar, que incluía postulados tales como la obligatoriedad de grabar cámara en mano, que el nombre del director no apareciera en los créditos, la prohibición de incluir música ambiental, o la necesidad de que la fotografía fuera en color, entre otros, todos ellos buscando un resurgir del cine y de la propia historia. Esta serie de normas tienen un par de estandartes cinematográficos, que son ‘Los idiotas’, de Lars von Trier y ‘Celebración’, de su colega Thomas Vinterberg.

Pero no es de la trayectoria de estos dos hombres de la que quiero hablar, sino de una conocida obra del autodeclarado mejor director del mundo: ‘Dogville’.

Esta cinta nos narra la historia de Grace, interpretada magistralmente por Nicole Kidman, una bella joven que llega a un pequeño pueblo en extrañas circunstancias pidiendo auxilio, que dada su situación es muy urgente. El filme es excéntrico desde su concepción, puesto que las viviendas que adornan el pueblo no existen, dejando en su lugar unos dibujos en el suelo que las representan, y todo en ella es de un surrealismo visual que roza los límites. Pero es este elemento en concreto el que encierra uno de sus mayores atractivos, que es poner de manifiesto lo superfluo de los elementos ambientales en una sociedad en decadencia y cuyos integrantes nada hacen por intentar subsanarlo, más bien todo lo contrario. Los habitantes de Dogville son desconfiados y recelosos por naturaleza, y si bien al principio hacen todo lo posible por mostrarse abiertos, aunque con reservas, al final acaba saliendo su verdadera cara, oscura y malévola como, según el director, cualquier colectivo cerrado que, como de la cinta se extrae, no es exclusivo de las altas esferas, sino que en cualquier lugar del mundo, incluso en el lugar más remoto y con apariencia más angelical, se puede encontrar la maldad más abyecta.

La historia está fragmentada en nueve capítulos, al principio de cada cual se nos explica con anterioridad lo que va a ocurrir, dando así paso a una atención superlativa en la que el espectador se fija en extremo en como ocurren las cosas y porque y no en los hechos finales. La carencia de decorados es por otra parte una generalización de la maldad y una manera de involucrar al espectador en la profundidad de la historia, pues ante la ausencia de elementos físicos solo quedan las personas y las relaciones que mantienen entre ellos, y los recursos que se utilizaron para el rodaje, como los planos cenitales en los que se nos muestra la acción como algo nimio y despersonalizado, ayudan de todas las maneras posibles a narrar la historia del bien y el mal vista desde los ojos de Lars von Trier.

Paul Bettany interpreta a un joven pensador nativo de Dogville, que con pasión intenta encontrar respuestas a las preguntas más insondables, y que desde el principio es el protector de Grace, luchando por sus intereses sin olvidar los suyos, e intentando que la adaptación al pueblo sea lo más eficaz posible. La joven, poseedora de un gran corazón y una capacidad de perdón infinita, es juzgada y criticada innumerables veces, siempre protegida a medias por el personaje de Paul Betanny, que a su vez se ve inmerso en un terrible dilema moral acerca de la conveniencia de las relaciones sociales y el amor que profesa hacia ellas.

Pero el quid de la cuestión está en que, de una manera poética, las interacciones lo son todo, y el principio de la causalidad impera en todo momento, aunque de manera implícita y muy contenida. Los habitantes de Dogville se sienten felices de si mismos y satisfechos de sus actos, y la única persona que parece pensar profundamente en las relaciones, tanto entre personas como con el ambiente, se ve limitado por su propia arrogancia. Tenemos así un concienzudo estudio acerca del origen de todo mal, y de cómo hasta el más bello e inmaculado ser se adapta a la adversidad sacrificando su moralidad y su entereza para responder ante una llamada de conciencia. El final, a medio camino entre la filosofía de Nietzsche y las tragedias griegas, es un canto a la irrevocabilidad de los actos y de cómo actúa la mente ante la presión y la traición.

Dogville es así una metáfora fascinante de la humanidad y los grupos que en ella se forman, y de cómo, en un aislamiento total puede también crecer el germen de la desconfianza y el canibalismo moral. Lars von Trier nos regala así una historia trazada milimétricamente y cuyos actores están todos soberbios, sin excepción. Desde la aquí maravillosa Nicole Kidman hasta el sorprendente Paul Bettany, ambos realizando una interpretación magnífica y contenida, haciendo suyos los papeles y metiéndose completamente en la piel de los habitantes del pueblo. Los secundarios también realizan una labor brillante, sobretodo teniendo en cuenta que, aunque el peso de la acción recae sobre el tándem protagonista, la ambientación y la atmósfera son el resultado de su trabajo. Lauren Bacall, Stellan Skarsgard, James Caan, Patricia Clarkson o Chloë Sevigny son algunos de los nombres que completan el reparto.

Por otro lado, y en cuanto a sus aspectos técnicos, no hay mucho que decir, ya que la puesta en escena es, como comentaba, austera y monocromática. La fotografía es excelente, como no podía ser de otra manera viniendo de Anthony Dod Mantle, que ya trabajó con Thomas Vinterberg en ‘Celebración’, y que, entre otras, es responsable de '28 días después’ y ‘Slumdog Millionaire’, ambas con Danny Boyle, y es gracias a esta última por la que ya adorna su estantería con un Oscar. El guión es, como no, del propio Lars von Trier, y la música que adorna la obra es de Antonio Vivaldi. Decir con respecto a esto que el director ha sido muy criticado, puesto que no respetó las reglas que el mismo había redactado para Dogma’95, y sobre las que actualmente ya hace absolutamente caso omiso, y sirva como ejemplo su reciente y polémica ‘Anticristo’, que coge todas las normas de su particular movimiento y las tira a la basura.

Concluyendo, tenemos entre las manos una fábula demoledora, por momentos lapidaria, que deja un amargo sabor de boca pero también una reflexión sobre las motivaciones humanas y como estas son utilizadas para hacer el bien o el mal. Un filme visualmente experimental pero muy humano en su contenido. Todos nos hemos sentido alguna vez como Grace en Dogville.

Cortometrajes, el formato olvidado

2010-05-01T17:39:00.007+02:00

El cine comenzó hace ya más de un siglo contando pequeñas historias y experimentando con todo lo que tenían a su alcance por aquel entonces. Podemos hablar así de que la primera rotura de raccord tuvo lugar por accidente cuando a Georges Méliès se le atascó su primera y rudimentaria cámara, y de que la primera mirada a cámara como recurso cinematográfico se le ocurrió a Edwin S. Porter en su trabajo de 1903 ‘Asalto y robo de un tren’. Todas estas historias tenían un punto en común, y es que estaban rodadas en un número limitado de minutos, en formato de cortometraje, que con el paso de los años se ha visto relegado a un segundo plano para dejar paso a su hermano mayor el largometraje. Pero ni que decir tiene que este modo de contar historias es tan válido como el que hoy en día llena las salas de cine, por no mencionar que es un vehículo perfecto para la experimentación y la exploración que, por características propias, da pie a trabajar de una manera que, aunque parecida al largometraje, no es igual, puesto que no padece el mal de tener que fragmentarlo en tres actos diferenciados ni exige un desarrollo de personajes tan amplio. De cualquier manera, el hecho de que su metraje sea menor no implica mayor facilidad para la narrativa, todo lo contrario, pues hay que seleccionar muy bien y elegir cuidadosamente cada escena y cada plano para que el ritmo no se vea afectado.

Y si he escrito esta carta tan larga, ha sido porque no he tenido tiempo de hacerla más corta.

Así afirmó Blaise Pascal sin miedo a equivocarse que para contar una historia en un espacio limitado hay que trabajar mucho más, narrativamente hablando. El largometraje es un medio muy estipulado, que por lo general no deja lugar para la creatividad, lo cual no quita que tengamos a muchos cineastas que hacen caso omiso de las reglas comerciales de la narración para sumergirse en las brumas de lo desconocido y susceptible de ser un fracaso, como David Lynch, Lars Von Trier, Luis Buñuel o José Luis Cuerda. Por la otra banda tenemos al formato corto, que por méritos propios se ha ganado un lugar entre los amantes de la experimentación, y sobre cuyos trabajos me dispongo a escribir.

En primer lugar, no puedo sino hablar de uno de los más bellos cortometrajes de animación que servidor tuvo el placer de visionar, que no es otro que ‘La maison en petits cubes’, de Kunio Katô. En el se nos narra un viaje a la memoria de una manera brillante, dejando caer críticas hacia el cambio climático, con un sentimiento y una pasión envidiables, todo ello a través de los ojos de un hombre anciano que en su soledad anhela cada momento pasado. El trabajo de animación es magnífico, como da fe su merecidísimo Oscar a mejor cortometraje de animación en el año 2008. Os dejo unos enlaces para poder visionarlo: [Parte 1] [Parte 2]. En la misma línea trabajó Michael Dudok de Wit, que nos dejó otra historia acerca de los sentimientos, la pérdida y la esperanza en su filme ‘Padre e hija’. Click aquí para verlo.

Otro lugar en el olimpo de la animación en cortometraje merece el conocido estudio Pixar, responsable de maravillas como ‘Wall-E’, ‘Ratatouille’ o ‘Up’. Su aportación al hermano pequeño del largometraje va desde los tronchantes ‘Presto’ o ‘Abducido’ hasta los sentidos ‘Parcialmente nublado’ o ‘El hombre orquesta’. Todos ellos de una calidad asombrosa, y que dada la situación en España de este formato tuvieron que ser expuestos antes de sus filmes, ya que hoy en día este incomprendido modo de contar historias no goza de buena salud, a diferencia de otros países como Estados Unidos, que aun conservan un hueco para ellos. Recomiendo echar un vistazo a todas estas producciones de Pixar, ya que pocas veces se puede ver algo de tan alta calidad de estas características.

Por otro lado, directores consagrados como el antes mentado David Lynch o Tim Burton tienen en su haber historias cortas no tan conocidas como sus filmes, pero igual de trabajadas y muy a tener en cuenta. En el caso del primero, existe un pack llamado ‘The Short Films of David Lynch’, que merece la pena visionar para un mayor acercamiento a este particular cineasta, que incluye, además de una entrevista con el mismo, una serie de cortometrajes que fueron lo que más adelante se convertiría en su obra. Con respecto al segundo, resaltar su aportación más destacada, ‘Vincent’, que cuenta la historia de un niño que anhela ser Vincet Price, y que en su versión original esta narrado por el propio ‘hombre de la voz profunda’. En el ya experimentó con el Stop Motion, método que en el futuro utilizaría para rodar ‘La novia cadáver’ y que fue también la base de ‘Pesadilla antes de navidad’ de Henry Selick, de la que Tim Burton fue parte activa produciendo y aportando la idea original. Otro cortometraje que utiliza esta técnica y que se introduce en el surrealismo es ‘Balance’, de Christoph Lauenstein y Wolfgang Lauenstein, que habla sobre la necesidad de encontrar un equilibrio. Para ver el cortometraje de Tim Burton click aquí, y para ver ‘Balance’ click aquí.

Luis Buñuel también trabajó este formato en la archiconocida ‘Un perro andaluz’, en régimen de co-dirección con Salvador Dalí. Una vez más nos encontramos ante una película de corte surrealista, que como el propio Buñuel dijo no es sino una materialización de los sueños de Dalí y los suyos. Tenemos así la famosa imagen de la cuchilla cortando el ojo o esa escena del hormiguero saliendo de la mano. Hay que tener en cuenta que este trabajo data de 1929, y como tal su concepción fue arriesgada y vanguardista (aunque Buñuel dijera que no era lo que pretendía). Tenemos así un clásico del surrealismo que si bien no es tan disfrutable como otros, si es representativo y pionero.

Pero también hay lugar en el mundo para el cortometraje español, como ilustra el caso de Javier Recio Gracia y su recientemente nominado a los premios de la Academia ‘La dama y la muerte’. Éste, que en la opinión del que esto escribe es muy superior al que resultó vencedor ‘Logorama’, cuenta en clave de comedia el anhelo de una anciana por reunirse con su marido fallecido, y es todo un despliegue de divertidos gags y una animación muy lograda que nada tiene que envidiar a Pixar. Muy recomendado. Por otro lado, también hay lugar para los cortometrajes cortos, valga la redundancia. 'Oktapodi', que dirigió un amplio equipo (Julien Bocabeille, François-Xavier Chanioux, Olivier Delabarre, Thierry Marchand, Quentin Marmier y Emud Mokhberi), es una muestra de que en dos escasos minutos se puede contar una fantástica historia, que en este caso es la de un calamar que emprende un arriesgado viaje para salvar a su amada de las garras de un malévolo restaurante. Click aquí para visionarlo.

Concluyo así este viaje sobre el mundo del cortometraje, y aunque me habré dejado en el tintero grandes aportaciones en este formato, no deja de ser un modo de intentar aproximar al público todas estas obras de arte que tienen la misma o mayor calidad que muchas cintas que nos llegan todos los viernes a las salas de cine.

'Alicia en el país de las maravillas', el poder de la imaginación

2010-04-30T00:19:00.006+02:00

Tim Burton es un sujeto que no deja indiferente. Son muchas las personas que opinan que es un genio, y otras tantas las que no titubean al afirmar que es un ídolo de adolescentes ‘raritos’ sin el menor ápice de talento. En lo que a mi respecta, me parece que es un cineasta interesante, que es capaz de maravillas como ‘Eduardo Manostijeras’, ‘Big Fish’ o ‘Ed Wood’, aunque algunas veces haya tropezado un poco con cintas de escasa aceptación como ‘Charlie y la fábrica de chocolate’ o 'El planeta de los simios'. Esta vez, este Californiano nos trae a los cines una puesta en pantalla de la obra de Lewis Carroll ‘Alicia en el país de las maravillas’, en 3D y con ese colorido y estética entre dark y kitsch al que tan acostumbrados nos tiene.

A diferencia de la obra de Carroll, en la que se nos narraba la entrada de Alicia en el submundo cuando contaba 10 años, esta revisión de Burton se sitúa 10 años más tarde, cuando la protagonista cumple los 20. Ni que decir tiene que este significativo cambio sobre el material original ha levantado importantes ampollas a lo largo y ancho del planeta. No obstante, para ofrecer exactamente lo mismo no merece la pena rodar, y sirviendo a modo de ejemplo de cómo no hay que hacer una revisión ahí tenemos ‘Psicosis’ de Gus Van Sant, que cogió la cinta de Hitchcock y la puso en color, y nada más. Por eso soy partidario de que, si vas a hacer una revisión, por lo menos debes ofrecer algo nuevo, y eso fue precisamente lo que hizo Burton.

La película en si ofrece un espectáculo visual colorista y con sello Burton, y aunque mucho se ha criticado el poco uso del 3D en esta cinta, al margen de la polémica de haber introducido este efecto en post-producción, no es tan sangrante como en otros recientes filmes, como ‘Furia de titanes’, donde el 3D es realmente bochornoso. En ‘Alicia’ por lo menos no chirría cada intento de tridimensionalidad, y aunque si es cierto que abusa de pequeños trucos como hacer salir un objeto de la pantalla o traer a primer plano desenfoques, que funcionan de maravilla en cine convencional pero que en 3D son ineficaces, no me pareció en absoluto un fallo como para hundir toda una película.

Las actuaciones son por otro lado quizás el punto débil de la cinta. Mia Wasikowska, que interpreta a Alicia, ofrece una actuación tan contenida que cae por momentos en la inexpresividad, y da la sensación de que nada de todo lo que ocurre le sorprende. Helena Bonham Carter se esfuerza por dar credibilidad a la Reina Roja, personaje que ya de por si es excesivo, y Anne Hathaway se pelea durante todo el metraje con mohines y maneras exageradas e irritantes, aunque en este caso no siento la necesidad de criticarla tanto como se ha hecho porque su Reina Blanca es así por concepción del propio Burton. Johnny Depp por otro lado continúa explotando su facilidad para interpretar a personajes excéntricos, y aunque por momentos estuve viendo a un Jack Sparrow con pelo naranja, consigue que cuando aparece en pantalla lo sigas con la mirada sin perderlo ni un segundo. Este último protagoniza los mejores momentos de la cinta, aunque también tiene otro par de ellos que bien podrían ser de los peores.

Por otro lado, qué decir de la dirección artística y el diseño de producción. Como en cada filme de Burton, es deliciosa, ofreciendo un universo único y ‘maravilloso’. Es en estos menesteres en los que mejor se defiende este realizador, y tan brillante resulta la apariencia que puede que otros aspectos hayan quedado a la cola, tales como lo que comentaba anteriormente de la dirección de actores. La fotografía, obra de Dariusz Wolski, tambien es excelente, como no cabría esperar otra cosa de este hombre, que ya trabajó en otras cintas con ambientaciones extrañas como 'Dark city' o 'Sweeney Todd' o en grandes proyectos como la trilogía de 'Piratas del Caribe', en cuya cuarta parte ya está trabajando.

La música viene de mano del inseparable de Burton, Danny Elfman, que como siempre está magnifico. Puede que no sea una aportación tan espectacular como otras grandes obras suyas, como pueden ser la famosa melodía de 'Spiderman' o las deliciosas canciones de 'Pesadilla antes de navidad' y 'La novia cadáver', pero cumple con creces y da ese ambiente onírico tan suyo.

El guión viene firmado por Linda Woolverton, que tiene en su haber, entre otras, clásicos de animación queridos por todos como 'El rey león' o 'La bella y la bestia'. Sin llegar a ser su mejor trabajo, si tiene grandes aciertos, como lo antes comentado de haber dado una vuelta de tuerca a la historia original, aunque tampoco está exento de fallos, como infantilizar la trama más de lo que realmente es, que supone otro de los tropiezos de la cinta. Es perfectamente comprensible que el título ‘Alicia en el país de las maravillas’ sea un reclamo para los más jóvenes, pero esta obra de Carroll nunca se caracterizó por ser un entretenimiento puramente infantil. La Disney en este caso intentó abarcar más de lo que debería, y a base de incluir gags para niños y momentos como el de la ‘deliranza’ hicieron que ni los niños la disfrutaran al completo ya que, como decía antes, no es un filme orientado específicamente para los más pequeños, ni tampoco los adultos, ya que con estos detalles el conjunto general pierde consistencia y cae en la broma fácil. No obstante, Tim Burton en una de sus declaraciones sobre la película no parece haber sido consciente de esto, o por lo menos no tanto como la ocasión se merecía, ya que para él el tratamiento infantil de la cinta es algo necesario:

No he tratado de hacer algo premeditadamente oscuro o extraño. Creo que todos los niños han podido tener en su imaginación un mundo parecido al que hemos creado. Pero lo hemos hecho fundamentalmente siguiendo el sendero que el material de Lewis Carroll nos sugería. El problema es que muchos adultos han olvidado cómo es el universo de un niño. Han olvidado cómo es la mirada de un niño, sus abstracciones, sus personajes, sus miedos, sus emociones y es de eso de lo que se nutren los cuentos.

Pero pese a todo, yo salí satisfecho de la sala de cine, y aunque si es cierto que todos esos detalles comentados anteriormente pueden actuar de lastre para disfrutar al completo este filme, no son en absoluto excluyentes, y si consigues sentarte en la butaca y ser un niño y un adulto a la vez durante lo que dura la proyección, podrás salir con la misma sonrisa que salí yo.

Oscars 2010, Kathryn Bigelow la gran vencedora de la noche

2010-03-08T16:44:00.010+01:00

Anoche a las 2:30 hora española comenzaba la esperada gala de los premios Oscar, y como no, y acompañada de su terrorífico glamour, pudimos ver como las mayores estrellas de Hollywood se sentaban a esperar, algunos ansiosos y otros no tanto, las decisiones de los académicos, que comenzaron bastante bien y acabaron entregando unas estatuillas que han creado bastante discusión. Vamos por partes:

La noche se abrió con el merecidísimo premio que recibió Christoph Waltz por su papel en ‘Malditos Bastardos’, que por otro lado fue el único que la última obra de Tarantino se llevó a casa, mostrando así la primera y enorme decepción que un servidor se ha llevado, pues contaba también con una necesaria estatuilla al mejor guión original que le han robado, y esa es la palabra, para dársela a Mark Boal, responsable del libreto de 'En tierra hostil', que ha resultado ser la gran triunfadora de la noche, consiguiendo derrotar a 'Avatar'.

No faltaron los premios sin emoción por parte del premio en si o por parte de quien los presentaba. De los primeros forman parte el cantadísimo oscar a mejor actriz de reparto que levantó Mo’nique por su trabajo en ‘Precious’, el que atesora Pete Docter por su largometraje de animación ‘Up’ o el que Jeff Bridges pudo al fin poseer después de tantos años sin ver ni la hora por parte de la academia por su papel en ‘Corazón rebelde’. De los segundos forma parte sobretodo el premio gordo, que se encargó de entregar un desganado Tom Hanks, que se limitó a saludar, abrir el sobre y leer ‘En tierra hostil’ cuando ni siquiera había silencio en el auditorio, destrozando así la poca emoción que pudiera quedar después de que Barbra Streisand le entregara el premio a la mejor dirección a Kathryn Bigelow, convirtiéndola así en la primera mujer de la historia en levantar la estatuilla a la mejor dirección.

En mi opinión, tanto ‘Avatar’ como ‘Malditos Bastardos’ son muy superiores al drama bélico que dirigió esta realizadora, pero los académicos se mostraron reticentes a volver a archipremiar a James Cameron que ya tiene su armario lleno de estatuillas y a Quentin Tarantino, que hizo un producto lleno de calidad y originalidad para el que los señores de la academia todavía no están preparados para apreciar, consiguiendo así que haya apagado la televisión después de haberme visto del tirón 4 horas de gala pensando que me habían tomado el pelo.

Sandra Bullock también tuvo su momento de gloria mientras recogía su premio a mejor actriz principal por su rol en ‘The blind side’, entrega muy discutida ya que aunque era uno de los claros de la gala, la actuación de Carey Mulligan en ‘An Education’ o Helen Mirren en ‘The last station’ eran dos competidoras dignas y merecedoras de esta gloria.

Solamente obtuve un pequeño placer en toda la gala, y es que ‘El secreto de sus ojos’ se haya hecho con el oscar a mejor película de habla no inglesa, dejando fuera de juego a la propuesta de Michael Haneke ‘La cinta blanca’, a la que todo el mundo, e incluyéndome a mí, daba por vencedora. Todo un regalo ver como Juan José Campanella subió a recoger su premio farfullando en inglés y dando un discurso alejado de los estereotipos de todos sus colegas. Mi más sincera enhorabuena para el cine argentino.

Por otro lado, los conductores de la gala, Steve Martin y Alec Baldwin estuvieron de lo más soso, sin apenas un par de chistes con gracia (solo había que ver las caras de algunos de los asistentes, como por ejemplo George Clooney, que parecía estar deseando que le pegaran un tiro), residiendo toda su supuesta y esperada comicidad en meterse con los asistentes a la ceremonia y abusando sin contemplaciones de los chistes sobre ‘Avatar’ y los ‘Na’vi’. Una gran decepción la presentación de la gala.

Y así terminó esta 82ª edición de los Oscar, con Kathryn Bigelow como la gran vencedora de la velada y con James Cameron con solo 3 premios de los 9 a los que optaba, entre los que por lo menos podemos contar la mejor fotografía, los mejores efectos visuales y la mejor dirección artística. Un desastre teniendo en cuenta que la vencedora ha sido una obra de calidad claramente inferior (que no mala) tanto a ‘Avatar’ como a la gran olvidada de la noche, ‘Malditos Bastardos’.

Os dejo con la relación completa de los premios:

Mejor película: 'En tierra hostil' de Kathryn Bigelow
Mejor director: Kathryn Bigelow por 'En tierra hostil'
Mejor actor principal: Jeff Bridges por 'Corazón rebelde'
Mejor actriz principal: Sandra Bullock por 'The Blind Side'
Mejor película de habla no inglesa: 'El Secreto de Sus Ojos' de Argentina
Mejor actor de reparto: Christoph Waltz por 'Malditos bastardos'
Mejor actriz de reparto: Mo'nique por 'Precious'
Mejor guión original: Mark Boal por 'En tierra hostil'
Mejor guión adaptado: Geoffrey Fletcher por 'Precious'
Mejor película de animación: 'Up' de Pete Docter
Mejor canción original: Ryan Bingham y T. Bone Burnett por 'The Weary Kind', tema de 'Corazón rebelde'
Mejor montaje: Bob Murawski y Chris Innis por 'En tierra hostil'
Mejor cortometraje de animación: 'Logorama' de Nicolas Schmerkin. Para verlo click aquí: [Parte 1] [Parte 2]
Mejor cortometraje documental: 'Music by Prudence' de Roger Ross Williams y Elinor Burkett
Mejor cortometraje de acción real: 'The New Tenants' de Joachim Back y Tivi Magnusson
Mejor maquillaje: Barney Burman, Mindy Hall y Joel Harlow por 'Star Trek'
Mejor dirección artística: Rick Carter y Robert Stromberg por 'Avatar'
Mejor diseño de vestuario: Sandy Powell por 'La reina Victoria'
Mejores efectos sonoros: Paul N. J. Ottosson por 'En tierra hostil'
Mejor sonido: Paul N. J. Ottosson y Ray Beckett por 'En tierra hostil'
Mejor fotografía: Mauro Fiore por 'Avatar'
Mejor banda sonora original: Michael Giacchino por 'Up'
Mejores efectos visuales: Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham y Andrew R. Jones por 'Avatar'
Mejor largometraje documental: 'The Cove' de Louie Psihoyos

Los hermanos Coen (II), 'Arizona baby'

2010-03-06T23:09:00.010+01:00

En la primera entrega de este ciclo dedicado a los hermanos Coen hablaba de su ópera prima y de cómo esta sentó unas bases de lo que más adelante sería una de sus señas de identidad y que caracterizarían su filmografía. Pues bien, ahora le toca el turno, y por orden cronológico, a su segundo largometraje como realizadores, que no es otro que ‘Arizona Baby’, una comedia al estilo Coen pero aun más negra e irreverente si cabe, algo que posteriormente suavizarían un poco quizá con fines narrativos, pero se trata de una muy divertida cinta de humor negro que pertenece al subgénero de las road movie.

Lo primero a mencionar es la presencia de Barry Sonnenfeld como director de fotografía, que en esta cinta lleva a cabo una labor indispensable, pues los tonos amarillentos propios del desierto de Arizona, y la calidez de la imagen son una constante en la película, llegando a ser indispensable para verte atrapado por la atmosfera árida y seca, que estará en contraposición con el contenido del filme, una comedia demencial y alocada. Destacar que este hombre ya trabajó con los Coen en la anteriormente analizada ‘Sangre fácil’ o en la posterior ‘Muerte entre las flores’, una maravilla del cine negro, además de también haber trabajado en ‘Misery’ con la misma ocupación o haber dirigido el díptico ‘Men in Black’.

Pues bien, el filme comienza poniéndonos en antecedentes mostrándonos a un correcto Nicolas Cage, y aquí podremos apreciar que este actor siempre tuvo predilección por papeles que le dejen desatar un poco su histrionismo, que es un delincuente de poca monta que se gana la vida robando pequeños establecimientos porque por algún extraño motivo, y aunque sabe que lo van a volver a encarcelar, disfruta haciéndolo, y, entre otras cosas, porque le encanta Holly Hunter, que no es otra que la policía encargada de meterlo en chirona una y otra vez. Esta primera escena del filme es maravillosamente hilarante y, haciendo uso de algo que podríamos llamar ‘anáfora cinematográfica’, nos muestra como una y otra vez McDunnough, el personaje de Cage, vuelve a la misma situación carcelaria, y lo que en primera instancia podría parecer monótono, como cabria interpretar esta redundancia, acaba siendo un motivo de risas continuas.

Pero el problema viene cuando este singular ladronzuelo se enamora de nuestra policía, Edwina, a la que da vida Holly Hunter. No sería muy correcto que una respetable agente de la ley mantuviera una relación amorosa con un peligroso exconvicto, de manera que Edwina decide colgar la placa y entregarse a los brazos de este pequeño John Dillinger. La pareja inicia una vida tranquila, pero un mal día descubren un panorama que alterará la paz de su hogar: la pareja no puede tener hijos, y están decididos fieramente a tenerlos, y aquí podríamos decir que comienza la historia.

Las peripecias de la pareja por conseguir un retoño son de todo menos convencionales, y en absoluta clave de parodia, recurso que estos hermanos han demostrado saber manejar como nadie, emprenden una demencial carrera por conseguir el soñado hijo. Vemos así como los Coen manejan las pequeñas incongruencias de la personalidad, convirtiendo al personaje de Holly Hunter en una secuestradora sin escrúpulos que no es capaz de ver más allá de sus propias necesidades o, si preferís, caprichos.

Los secundarios los conforman unos magistrales John Goodman, que con su oronda figura y su carisma intachable va a hacer que siempre que aparece en pantalla no despegues la vista de ella, y William Forsythe, que desprovisto de su consagrado bigote luce irreconocible, pero interpretando a un fugado tontorrón que obedece casi ciegamente a su compañero y cerebro John Goodman está de lo más divertido. Vemos así como estos dos realizadores comienzan a completar un pequeño elenco de actores que se convertirían con los años en recurrentes en sus cintas, creando una especie de género propio en el que los personajes cambian de personalidad pero no de cara y, a su vez, en una garantía de su cine, pues siempre que vayamos a ver una cinta dirigida por los Coen sabemos que nos vamos a encontrar con solvencia interpretativa, que no con caras conocidas y relucientes del mainstream, y que haciendo uso de una dirección de actores singular y muy original conseguiremos identificar un largometraje que lleve su firma con solo unos minutos de visionado.

El guión, por otro lado, incluye entre sus líneas elementos fantásticos que pueden echar para atrás a más de uno que se espere encontrar una comedia convencional. Durante la película los hermanos decidieron dar vida a uno de los peores temores de McDunnough, y en forma de sueño real vemos a un motero que parece salio del mismísimo infierno y que esta aquí para repartir caña justiciera, sin olvidar mirar para el propio bolsillo. Este personaje, que representa la peor pesadilla del personaje de Nicolas Cage y que está interpretado con maestría por Randall ‘Tex’ Cobb, un actor irregular que no consiguió asentarse en la industria de Hollywood y cuyos escasos papeles y faltos de protagonismo lo han llevado a acabar como extra de serie de televisión, es el que aporta la comicidad más sucia a la cinta, haciendo que en sus apariciones en pantalla siempre te estés preguntando que va a ocurrir o si realmente está ocurriendo lo que estamos viendo, convirtiendo así a este personaje en un atractivo excelente, pues consigue difuminar la línea que separa la realidad de los sueños, en este caso pesadillas. A este respecto podríamos establecer un leve paralelismo con la posterior ‘Barton Fink’, que trabajará la antiestructura de un modo parecido a como acostumbra hacer David Lynch, aunque en la cinta que nos ocupa esta disolución de la realidad y la imaginación no llegue al punto de crear controversia como si lo hizo en la anteriormente citada ‘Barton Fink’.

¿Qué nos queda entonces después de todo esto? Una divertidísima comedia, que hará las delicias del público aficionado al humor de este par de hermanos, y que aunque sin llegar a la maestría de su comedia por excelencia ‘El gran Lebowski’, es un muy hábil ejercicio de creatividad, aunque con un guión menos logrado que esta última.

En la siguiente entrega hablaré de la primera obra maestra de los hermanos Coen, ‘Muerte entre las flores’, y de cómo consiguieron dar una vuelta de tuerca a un género que, de manera inevitable, siempre se basó en demasiados clichés.

Primera entrega: 'Sangre fácil'

'The Lovely Bones', lirismo y fantasía

2010-03-03T23:56:00.007+01:00

Cuatro años habían pasado desde que Peter Jackson rodara una revisión del clásico de los años 30 ‘King Kong’, que por aquel entonces puso de moda el Stop Motion. Y después de este tiempo en el que el realizador neocelandés estuvo produciendo cintas como ‘Distrito 9’ o escribiendo el guión para el díptico ‘El Hobbit’ que llevará a las pantallas Guillermo del Toro, nos encontramos con una obra muy personal, en la que este artesano da rienda suelta a su vasta imaginación proponiéndonos una peculiar historia sobre la muerte y el crecimiento personal; se trata de ‘The Lovely Bones’.

Este filme, basada en la novela homónima escrita por Alice Sebold, es una bonita historia que se torna melodramática por momentos y que proyecta un mundo celestial alternativo, todo ello edulcorado con una gran cantidad de azúcar que, sin lugar a dudas, fue la principal causa de que público y crítica la hayan hundido sin contemplaciones. No es que sea un entusiasta de los filmes mortales para los diabéticos, pero esta película tiene algo que me enganchó y me fascinó, aun a pesar de sus excesos y sus carencias.

‘The Lovely Bones’ cuenta la historia de Susie Salmon, una niña que es violada y asesinada, y desde su particular cielo nos va contando como se ve la vida desde un lugar que, aunque la cultura popular nos dice que es el súmmum del bienestar, dista mucho de serlo para alguien que está viendo como sus seres más queridos sucumben a causa de esa tan terrible ausencia. Saoirse Ronan, que todo sea dicho de paso, talento no le falta, fue la encargada de ponerse en la piel de esta muchacha, actriz que pudimos ver en ‘Expiación’ en el rol de Briony Tallis, cinta por la que consiguió una nominación a los Oscar, y que actualmente prepara otro largometraje con el mismo realizador de esta última, Joe Wright, en el que interpretará a Hanna, una niña asesina. Y fue esta adolescente la que consiguió conmoverme desde que se apagaron las luces, haciendo gala de su angelical y deslumbrante belleza y mostrando al mundo que, aunque tiene muchos aspectos por pulir, es posible que una actriz tan joven (cuenta solo 15 primaveras) sea convincente ante las cámaras. Su actuación sin embargo no estuvo libre de pequeños altibajos, y si bien al comienzo de la cinta no nos muestra todo su potencial, hacia el final se vuelve absolutamente hipnótica.

Los encargados de dar vida a los padres de la criatura, Mark Wahlberg y Rachel Weisz, están más que correctos, y aunque si es cierto que la protagonista de ‘Ágora’ no hizo la mejor actuación de su carrera, tampoco me atrevo a ser tan categórico como para decir que nunca lo hizo peor. Mark Wahlberg por otro lado me ha sorprendido muy gratamente, porque pese a que es un actor al que no tenía en mi pedestal, me está haciendo replantearme un par de cosas después de ver su actuación en 'Infiltrados' y en la cinta que nos ocupa. Su papel de padre atormentado, pese a parecer tópico, es un ejercicio de expresividad, carencia que muy frecuentemente se le achacó a este actor, y conforme avanza la película, es sobre su personaje sobre el que recae el que bajo la opinión del que esto escribe es el mayor logro del filme: el crecimiento personal. Ni que decir tiene que esta obra no pretende ser en ningún momento una cinta más con las que engrosar las tramas de búsqueda del malo y posterior encarcelamiento, aunque para no herir sensibilidades Peter Jackson se curó en salud tomando un par de medidas, que no voy a comentar para no hacer spoilers, pero que fueron el mayor error de la cinta y solamente están ahí por razones puramente comerciales y nada justificables desde el punto de vista del conjunto. No obstante, y pasando por alto esos tropiezos, la historia de cómo un padre se obsesiona y el amor hacia su hija le ciega hasta el punto de perder el norte, para luego comenzar a ver con la mirada de quien sabe que no todo es tan gris como se lo ha pintado el destino es digno de aplauso, y por ello este actor se merece mi reconocimiento.

De comer aparte hay que darle a Stanley Tucci, que está aquí presente creando uno de los roles clave, y que libre de todo histrión maneja un personaje difícil y lleno de matices, convenciendo desde su primera aparición en pantalla. Consigue que el recital de la cinta acerca del perdón y la liberación de espíritu sea más creíble que nunca, pues nos enseña un personaje con el que difícilmente podremos empatizar.

Ahora bien, la cinta padece de un gran mal, y no es otro que la redundancia. Aunque la fotografía, obra de Andrew Lesnie, que ya trabajó con el señor Jackson en la trilogía épica por excelencia, y que actualmente se encuentra mano a mano con M. Night Shyamalan en la esperadísima ‘The Last Airbender’, es una maravilla absoluta fuera de toda duda, el relato se ve entorpecido por demasiadas escenas que responden más al lucimiento que al ritmo, y por ello hay grandes pasajes oníricos con todo un despliegue de maravillosos planos y encuadres, pero cuyo máximo atractivo es exactamente ese, contemplar la belleza que este tándem fueron capaces de crear, pues la narración se ve enormemente entorpecida por estos excesos visuales. No hay un ritmo uniforme, y por culpa de ello la película puede caer en la monotonía.

Con todo ello, ‘The Lovely Bones’ es una cinta notable, altamente disfrutable si te dejas envolver por las imágenes evocadoras de Peter Jackson y abandonas toda esperanza de asistir a una narración clásica. Los interludios de Susie Salmon en su cielo son de esta manera un arma de doble filo, aportando un gran atractivo visual pero una torpeza narrativa rozando lo experimental, que como decía antes puede echar para atrás a un público que entró en la sala con ganas de ver lo que la campaña publicitaria prometía (un poco como le pasó a ‘El bosque’, del anteriormente citado M. Night Shyamalan), un thriller con toques sobrenaturales, pero que, aunque si tiene un par de ingredientes de thriller, no corresponde ni mucho menos a ese género. Le sobra algo de metraje y le falta algo más de cohesión, pero no dejo de pensar que cuando se encendieron de nuevo las luces aun estaba pensando en Susie Salmon.

P.D.: Siento este pequeño lapso de tiempo sin escribir, que vino por diferentes motivos. Volveré a retomar la regularidad.

Los hermanos Coen (I), 'Sangre fácil'

2010-02-09T02:50:00.009+01:00

Los hermanos Coen son dos personajes de sobra conocidos por todos, aunque es bastante difícil saber donde empieza uno y donde termina el otro. Estos dos judíos comenzaron sus andanzas allá por 1984, cuando por fin se aventuraron a dar rienda suelta a su vasta imaginación y capacidad narrativa con la hoy en día considerada de culto ‘Sangre fácil’. Aun así, cabe destacar que Joel Coen, el mayor de los hermanos y que durante toda la carrera que ostentan este par fue el que mantuvo el puesto de director a ojos de la ley, ya había hecho sus pinitos antes siendo asistente de Sam Raimi y Frank LaGoggia. Más adelante, el director de ‘Posesión infernal’ colaboraría con ellos co-escribiendo una de sus más desconocidas obras, ‘El gran salto’, y ellos colaborarían con el participando activamente en el guión de 'Crimewave'.

Pretendo con todo esto hacer un ciclo de estos dos hermanos que tanto han aportado al cine y que lo seguirán haciendo, analizando cada una de sus cintas e intentando de la mejor manera que pueda acercar un poco a los lectores la obra que estos chicos nacidos en Minnesota han venido realizando desde hace bastantes años.

Siguiendo un orden cronológico, la primera película de este particular tándem es la antes mencionada ‘Sangre fácil’, en la que ya podíamos empezar a vislumbrar muchos rasgos que caracterizarían sus filmes venideros. Esta película nos cuenta la historia de un matrimonio venido a menos, en la que una mujer busca la felicidad que no obtiene de su marido en los brazos de otro hombre. Esta mujer, interpretada con solvencia por la posteriormente esposa de Joel Coen, Frances McDormand, y que los hermanos han convocado en varias ocasiones para sus filmes, no se ve venir la cantidad de desgracias que acompañarán al hecho de haber abandonado su lecho para irse al de un empleado de su marido. Comenzamos aquí a ver como los Coen hacen un uso de la intriga superlativo, guardándose detalles para el final y utilizando recursos que en el momento de la filmación de este largometraje aun no estaban todo lo explotados que estarían en un futuro. El humor negro negrísimo ya les parecía extremadamente seductor por aquel entonces, y no dudaron a la hora de crear situaciones hilarantes entretejidas con esmero alrededor de una trama, en el caso que nos ocupa, lineal y con una realidad coherente, algo que en futuras cintas abordarían con mayor experiencia y tratarían de experimentar con ello.

La cinta posee muchas virtudes y no menos defectos. Entre sus puntos a favor hay que mencionar que se apoya en un guión sin fisuras y que no deja ningún cabo suelto, si bien hay que tener en cuenta que para este filme han utilizado una estructura apoyada en el diseño más clásico, donde se huelen las influencias del cine negro de la época. Pero tampoco hay que olvidar que se deja ver entre sus fotogramas cierto aire minimalista, donde los personajes siguen un duelo interior manifestado en clave de thriller, y donde los múltiples papeles que se entremezclan dándole a la obra cierto aire coral hacen que el espectador vaya atando cabos en su cabeza mientras se le van dando datos que le ayuden a completar el circulo.

No obstante, esta composición no definida alrededor de unos personajes que no se nos muestran transparentes ni libres de prejuicios pueden enturbiar la coherencia del relato, que por momentos sigue una lógica poco convencional (la escena del quemador o la escena del entierro), aunque no por ello menos estudiada. Las actuaciones son, por otro lado, poco brillantes, y aunque cumplen sin problemas, no son el principal aliciente del filme, que en este caso radica en el montaje, que ambos hermanos firmaron bajo el pseudónimo de Roderick Jaynes, como siguieron haciendo en prácticamente todos sus filmes posteriores.

Es por todo esto que estamos hablando de una ópera prima llena de premoniciones hacia ellos mismos, que no hizo sino sentar las bases de su particular narración. ‘Fargo’, una de sus más aplaudidas cintas, bebe directamente de este debut, aunque de eso hablaré en posteriores análisis.

No hay que pasar por alto tampoco la puesta en escena, sórdida y comedida, donde los protagonistas se mueven en todo momento, transmitiendo al público un desasosiego que viene motivado por la impredecibilidad que impregnan los actos de los personajes, pero en cuyas actuaciones no se intuyen de la misma manera. Quiero decir con esto que la planificación del comportamiento de los protagonistas roza lo enfermizo, y aunque si es cierto que la lógica que siguen puede ser muy diferente a lo que llamaríamos sentido común como comentaba antes, resulta natural y perfectamente verosímil en pantalla, y nos olvidamos de que su comportamiento es ilógico para que la sensación de inestabilidad se adueñe de nosotros. Durante todo el metraje no faltan momentos de pura tensión, aunque quizás no tan exaltada como en la posterior ‘Misery’ de Rob Reiner, y tampoco falta miedo a que el marido abandonado se encuentre con un bonito percal, aunque una vez más tampoco tan protagonista como lo pueda ser en ‘Match Point’ de Woody Allen. Las sensaciones que acompañan al visionado del filme son así mucho más comedidas al ser varias entretejidas, pero que la dotan de una cohesión final muy interesante.

¿Qué nos queda entonces después de todo esto? Una notable cinta de intriga, cuya historia es un perfecto ejemplo de cómo utilizar un guión sin rimbombantes excesos en beneficio del propio filme, realizando un buen trabajo de post-producción y haciendo gala de mano firme a la hora de rodar cada una de sus escenas. Es una cinta de visionado obligatorio si se quiere profundizar y conocer el génesis de los hermanos Coen, aunque tampoco extremadamente necesaria si ya has disfrutado de sus posteriores cintas y esperas encontrarte en ella algo novedoso, pues todos sus puntos a favor ya han sido explotados más adelante y sus defectos, si bien no eliminados, pulidos hasta convertirlos en parte de su estilo.

En la siguiente entrega, empezaré a hablar de la incursión en la comedia de los hermanos con ‘Arizona Baby’ y de lo que esa primera toma de contacto con lo cómico influyó enormemente en sus trabajos más aclamados dentro de este género.

Oscars 2010, hagan sus apuestas

2010-02-04T06:17:00.011+01:00

Este pasado martes 2 de febrero la actriz Anne Hathaway dio a conocer al mundo las nominaciones de los premios de la Academia de Hollywood, que por primera vez en más de 60 años contará con 10 películas compitiendo por el soñado Oscar principal en lugar de 5.

Muy pocas sorpresas han caído este año, siendo tal vez lo más destacable la nominación de una película de animación, 'Up', a la categoría principal, algo que no es en absoluto usual. El gigante Pixar ve de esta manera su última creación inmiscuida en cinco categorías, la antes mencionada y la habitual mejor película de animación entre otras. 'Up', que todo sea dicho de paso, no me parece la gran obra maestra de este estudio ('Wall-E' me sigue pareciendo su obra cumbre), está en una situación privilegiada, que seguramente no habría podido ostentar de no haberse visto este año incrementado el numero de películas que optan al premio gordo, al igual que 'Distrito 9', que como todos sabemos pertenece a un genero, la ciencia-ficción, que esta en clara desventaja en cualquier entrega de premios.

Por otro lado, todo apunta a que este año la guerra se librará entre James Cameron y Kathryn Bigelow, ambos con 9 nominaciones para sus respectivas cintas (de las que podéis leer mi crítica aquí y aquí). Esta ex-pareja en la vida real tiene en esta ceremonia dos grandes películas compitiendo: la revolucionaria 'Avatar', de la que ya no debe quedar nadie en la Tierra que no la haya visto, y la antibélica 'En tierra hostil', que pese a su escasa recaudación entra pisando fuerte, como bien da fe el reciente reconocimiento que ha recibido su directora, el premio de la DGA (Gremio de Directores Americanos), que hace que por un lado o por otro la batalla vaya a ser encarnizada.

Sorprende también ver que este año el señor Clint Eastwood se haya quedado sin un hueco para su última cinta, 'Invictus'. Los señores de la Academia no consideraron que este biopic sobre Nelson Mandela estuviera a la altura de los demás filmes, aunque no se olvidaron de incluir al enorme Morgan Freeman en su categoría correspondiente.

Tampoco nos podemos olvidar de la nominación que obtuvo otra vez este año Penélope Cruz por su actuación en 'Nine', el musical que desde que se estrenó no ha visto más que penurias. Aun así, todo apunta a que esta estatuilla la recogerá Mo’nique por su papel en 'Precious', como ya hizo en los Globos de Oro.

Pero la lucha que servidor espera con más expectación es la que se llevará a cabo dentro de la categoría de mejor película de habla no inglesa, en la que compiten 'La cinta blanca' y 'El secreto de sus ojos', entre otras. Si fuera yo el que otorgara los premios, esta estatuilla se la daría de calle a Campanella por habernos regalado ese precioso drama, pero como no es así, mucho me temo que se alzará con la victoria el señor Michael Haneke, que desde que se estrenó su última película no ha hecho más que recoger premios y reconocimientos.

Aunque si tuviera que mencionar algo que me dolería, sería que Quentin Tarantino no se hiciera con el Oscar a mejor guión original y Christoph Waltz con el de mejor actor de reparto (categoría en este ultimo que ya mencione me parece injusta).

Y así, sin más dilación, os dejo con la lista completa de las nominaciones de esta 82ª edición de los Oscar de la Academia de Hollywood:

Mejor película

Mejor dirección

James Cameron por ‘Avatar’
Kathryn Bigelow por ‘En tierra hostil’
Quentin Tarantino por ‘Malditos Bastardos’
Lee Daniels por ‘Precious’
Jason Reitman por ‘Up in the Air’

Mejor guión adaptado

‘Distrito 9’, de Neill Blomkamp y Terri Tatchell
‘An Education’, de Nick Hornby
‘In the Loop’, de Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci y Tony Roche
‘Precious’, de Geoffrey Fletcher
‘Up in the Air’, de Jason Reitman y Sheldon Turner

Mejor guión original

‘En tierra hostil’, de Mark Boal
‘Malditos Bastardos’, de Quentin Tarantino
‘The Messenger’, de Alessandro Camon y Oren Moverman
‘Un tipo serio’, de Joel Coen & Ethan Coen
‘Up’, de Bob Peterson y Pete Docter

Mejor actor principal

Jeff Bridges por ‘Corazón rebelde’
George Clooney por ‘Up in the Air’
Colin Firth por ‘Un hombre soltero’
Morgan Freeman por ‘Invictus’
Jeremy Renner por ‘En tierra hostil’

Mejor actor de reparto

Matt Damon por ‘Invictus’
Woody Harrelson por ‘The Messenger’
Christopher Plummer por ‘The Last Station’
Stanley Tucci por ‘The Lovely Bones’
Christoph Waltz por ‘Malditos Bastardos’

Mejor actriz principal

Sandra Bullock por ‘The Blind Side’
Helen Mirren por ‘The Last Station’
Carey Mulligan por ‘An Education’
Gabourey Sidibe por ‘Precious’
Meryl Streep por ‘Julie y Julia’

Mejor actriz secundaria

Penélope Cruz por ‘Nine’
Vera Farmiga por ‘Up in the Air’
Maggie Gyllenhaal por ‘Corazón rebelde’
Anna Kendrick por ‘Up in the Air’
Mo’Nique por ‘Precious’

Mejor película de animación

‘Los mundos de Coraline’, de Henry Selick
‘Fantastic Mr. Fox’, de Wes Anderson
‘Tiana y el sapo’, de John Musker y Ron Clements
‘The Secret of Kells’, de Tomm Moore y Nora Twomey
‘Up’, de Pete Docter

Mejor dirección artística

‘Avatar’, de Rick Carter y Robert Stromberg
‘El imaginario del Doctor Parnassus’, de Dave Warren y Anastasia Masaro
‘Nine’, de John Myhre
‘Sherlock Holmes’, de Sarah Greenwood
‘La Reina Victoria’, de Patrice Vermette

Mejor fotografía

‘Avatar’, de Mauro Fiore
‘Harry Potter y el misterio del príncipe’, de Bruno Delbonnel
‘En tierra hostil’, de Barry Ackroyd
‘La cinta blanca’, de Christian Berger
‘Malditos Bastardos’, de Robert Richardson

Mejor diseño de vestuario

‘Bright Star’, de Janet Patterson
‘Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel’ , de Catherine Leterrier
‘El imaginario del Doctor Parnassus’ de Monique Prudhomme
‘Nine’, de Colleen Atwood
‘La Reina Victoria’, de Sandy Powell

Mejor largometraje documental

‘Birmania VJ: Informando desde un país cerrado’, de Anders Østergaard y Lise Lense-Møller
‘The Cove’, de Louie Psihoyos
‘Food, Inc.’, de Robert Kenner y Elise Pearlstein
‘The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers’, de Judith Ehrlich y Rick Goldsmith
‘Which Way Home’, de Rebecca Cammisa

Mejor corto documental

‘China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province’, de Jon Alpert y Matthew O’Neill
‘The Last Campaign of Governor Booth Gardner’, de Daniel Junge y Henry Ansbacher
‘The Last Truck: Closing of a GM Plant’, de Steven Bognar y Julia Reichert
‘Music by Prudence’, de Roger Ross Williams y Elinor Burkett
‘Rabbit à la Berlin’, de Bartek Konopka y Anna Wydra

Mejor montaje

‘Avatar’, de Stephen Rivkin, John Refoua y James Cameron
‘Distrito 9’, de Julian Clarke
‘En tierra hostil’, de Bob Murawski y Chris Innis
‘Malditos Bastardos’, de Sally Menke
‘Precious’, de Joe Klotz

Mejor película de habla no inglesa

Mejor maquillaje

‘Il Divo’, de Aldo Signoretti y Vittorio Sodano
‘Star Trek’, de Barney Burman, Mindy Hall y Joel Harlow
‘La Reina Victoria’ de Jon Henry Gordon y Jenny Shircore

Mejor partitura musical

‘Avatar’, de James Horner
‘Fantastic Mr.Fox’, de Alexandre Desplat
‘En tierra hostil’, de Marco Beltrami y Buck Sanders
‘Sherlock Holmes’, de Hans Zimmer
‘Up’, de Michael Giacchino

Mejor canción original

“Almost There” de ‘Tiana y el sapo’, música y letra de Randy Newman
“Down in New Orleans” de ‘Tiana y el sapo’, música y letra de Randy Newman
“Loin de Paname” de ‘París, París’, música de Reinhardt Wagner, letra de Frank Thomas
“Take It All” de ‘Nine’, música y letra de Maury Yeston
“The Weary Kind” de 'Corazón rebelde’, música y letra de Ryan Bingham y T. Bone Burnett

Mejor cortometraje de animación

‘French Roast’, de Fabrice O. Joubert
‘Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty’, de Nicky Phelan y Darragh O’Connell
‘The Lady and the Reaper’, de Javier Recio Gracia
‘Logorama’, de Nicolas Schmerkin
‘A Matter of Loaf and Death’, de Nick Park

Mejor cortometraje en imagen real

‘The Door’, de Juanita Wilson y James Flynn
‘Instead of Abracadabra’, de Patrik Eklund y Mathias Fjellström
‘Kavi’, de Gregg Helvey
‘Miracle Fish’, de Luke Doolan y Drew Bailey
‘The New Tenants’, de Joachim Back y Tivi Magnusson

Mejor sonido

‘Avatar’, de Christopher Boyes y Gwendolyn Yates Whittle
‘En tierra hostil’, de Paul N.J. Ottosson
‘Malditos Bastardos’, de Wylie Stateman
‘Star Trek’, de Mark Stoeckinger y Alan Rankin
‘Up’, de Michael Silvers y Tom Myers

Mejor montaje de sonido

‘Avatar’, de Christopher Boyes, Gary Summers, Andy Nelson y Tony Johnson
‘En tierra hostil’, de Paul N.J. Ottosson y Ray Beckett
‘Malditos Bastardos’, de Michael Minkler, Tony Lamberti y Mark Ulano
‘Star Trek’, de Anna Behlmer, Andy Nelson y Peter J. Devlin
‘Transformers: La venganza de los caídos’, de Greg P. Russell, Gary Summers y Geoffrey Patterson

Mejores efectos visuales

‘Avatar’, de Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham y Andrew R. Jones
‘Distrito 9’, de Dan Kaufman, Peter Muyzers, Robert Habros y Matt Aitken
‘Star Trek’, de Guyett, Russell Earl, Paul Kavanagh y Burt Dalton

'En tierra hostil', la vida de un artificiero

2010-02-01T04:46:00.010+01:00

Las mujeres, por razones que desconozco, no abundan en el cine detrás de las cámaras. Solo hay que echar un vistazo a las carteleras para ver que la gran mayoría de estrenos vienen firmados por hombres. Pero pese a todo, tenemos por el mundo adelante un buen puñado de directoras que nos han regalado muy buenas obras y cuyo buen hacer está fuera de toda duda. Por mencionar algunos ejemplos, ahí tenemos a Sofia Coppola, hija del ilustre Francis Ford Coppola, que, aunque no figuran entre mis cintas favoritas, ha rodado filmes que hoy en día son ya referentes de culto como 'Lost in translation' o 'Las vírgenes suicidas'. Tenemos también a Jane Campion, que dejó su firma en la maravillosa 'El piano', o a la española Isabel Coixet, autora de 'Mi vida sin mí' entre otras. Pero hoy quisiera hablar de la realizadora que se encargó de hacer posible un filme que, por otra parte, ya debería haber visto la luz en nuestro terruño en el ya lejano 2008. Me refiero a Kathryn Bigelow y su última obra: 'En tierra hostil'.

Empezar comentando que el guión viene en este caso con la huella de Mark Boal, que también tiene en su haber como escritor la cinta de Paul Haggis 'En el valle de Elah', y que actualmente se encuentra trabajando de nuevo con esta realizadora en su siguiente proyecto, 'Triple Frontier', que nos contará la historia una red de crimen organizado situada en la triple frontera que los ríos Iguazú y Paraná crean entre Paraguay, Argentina y Brasil.

Nos encontramos en Irak, viendo cada uno de los movimientos que una brigada de artificieros desplegada en este infierno llevan a cabo. Mucha tensión y dramatismo son los ingredientes principales de este coctel que nos transporta al día a día de estos soldados, pero que poco tiene que ver con otras cintas bélicas como 'Salvar al soldado Ryan' o 'Valkiria', siendo tal vez más certera una pequeña comparación con 'Apocalypse Now'. Este drama bélico no persigue tanto un objetivo centrado en la acción como en los sentimientos, a menudo encontrados, que padecen los protagonistas, y como en el filme de Francis Ford Coppola, mostrarnos el horror que les acompaña, aunque con un desenlace diametralmente opuesto. También nos habla de la vocación, de la necesidad de hacer lo que uno quiere y ha elegido hacer, y de cómo estas decisiones nos llevan por caminos a menudo desconocidos.

El sargento James es un hombre impredecible y arriesgado, que tras el fallecimiento del Sargento Thompson, asume el mando de una brigada de artificieros. Durante el metraje, somos testigos de la evolución del personaje, y de cómo esta sucesión de acontecimientos provocan un crecimiento en él, que si bien no se puede decir que sea bueno o malo, es, cuanto menos, interesante.

'La guerra es una droga', reza el prólogo del filme, una afirmación que esta Californiana utilizó para dar comienzo a la película. La valentía y el arrojo de los personajes es el leitmotiv de la cinta, y la reflexión que abre a este respecto es suculenta desde un punto de vista psicológico. ¿Qué es lo que nos lleva a actuar como actuamos? ¿Por qué es tan importante para nosotros esta coherencia interna? Bigelow aporta aquí su granito de arena a este infinito debate, y, en clave de guerra, nos enseña su visión de esta reflexión.

A diferencia de los combatientes que lucharon en Vietnam, los soldados que han ido a Irak son todos voluntarios: ¿Por qué escogieron estar ahí? Para muchos es tan solo un empleo, otros serán patriotas, pero, en mi país, las campañas de promoción de alistamiento enfatizan el componente divertido del ejército. Hay un enfoque psicológico muy interesante de estas promociones según el cual la guerra es excitante, por lo que mucha gente desarrolla una necesidad de conflicto, una adicción o atracción al combate, a la guerra.

Por otro lado, los méritos cinematográficos son también amplios, aunque me gustaría hacer referencia al uso de las cámaras. Quizás en este filme haya un pequeño abuso de lo que normalmente llamamos 'cámaras con parkinson'. Si bien es cierto que en las películas de acción nos solemos encontrar con rápidos movimientos y zooms imposibles, no hay que olvidar que un abuso de estas técnicas pueden llevar a que no sepamos bien lo que estamos viendo. Es lógico que Bigelow haya apostado por esto teniendo en cuenta tanto el género como lo que quiere transmitir, pero incluso nos llegamos a encontrar con planos que muestran una conversación que llevan consigo este vaivén. Me imagino que haciendo esto su intención era que el espectador sintiera parte de ese desasosiego y continua sensación de alerta que sufren los soldados, y aun más especialmente los artificieros, cuya tensión no me quiero ni imaginar, teniendo en cuenta que su trabajo, como bien se nos muestra en la película, es una continua apuesta en la que un 50% te separa siempre de vivir o morir, pero esta continua tensión visual que nos impregna durante el visionado del filme no consigue tanto enfatizar estas sensaciones como cansar al público con vertiginosos y fugaces movimientos. Por poner un ejemplo, en la anteriormente citada 'Salvar al soldado Ryan', y pese a que gran parte de su metraje corresponde a escenas de pura acción belicosa, durante los interludios las cámaras nos dan un pequeño respiro, y los momentos de calma son eso, momentos de calma, y no por ello se pierde la furia ni la tensión que trae consigo la película.

Las interpretaciones, cambiando de tercio, son todas, sin excepción, sobresalientes. El semidesconocido Jeremy Renner aguanta perfectamente el peso de la acción, y nos regala, sin ninguna clase de histrionismo, un crecimiento personal muy creíble, y los secundarios, Anthony Mackie y Brian Geraghty, cumplen con nota, redondeando un reparto principal vacío de estrellas, pero que en boca de la propia Kathryn Bigelow, es una manera de que el público sienta esa impredecibilidad, ya que si pusiera a Tom Cruise al frente del reparto, todo el mundo sabría desde el principio que no va a morir. Otra cosa a tener en cuenta son los cameos de lujo, en los que encontramos a Guy Pearce, a Ralph Fiennes o a una de las protagonistas de la serie que pronto verá su esperado final, Evangeline Lilly, de 'Lost'.

De manera que, nos encontramos ante un filme de una calidad muy alta, que pese a sus excesos visuales funciona a la perfección, y cuya dirección de actores e historia engancha desde el primer fotograma. Un gran acierto de esta directora, que tiene un currículo engrosado por cintas de gran calidad como son 'Días extraños' o 'Le llaman Bodhi'. Es una película que, pese a todo lo que se la haya podido cuestionar respecto de su orientación, representa claramente el cine antibélico. Muy recomendable.

La ciencia-ficción, un mundo aparte

2010-01-25T21:21:00.008+01:00

Georges Méliès dirigió y guionizó en 1902 la que se considera la primera película de ciencia-ficción de la historia, 'Viaje a la luna'. En ella, un grupo de astronautas viajan a la luna, donde encuentran una nueva forma de vida. Esta cortometraje de tan solo 14 minutos supuso el inicio de un género que, a pesar de moverse en el ámbito de lo futurista, necesita ser el más realista de todos, ya que su propia condición de irreal hace que necesite conectar con el espectador para que todo lo que se ve en pantalla sea, como mínimo, verosímil.

Hoy, con más de un siglo de diferencia desde que este parisino nacido en 1861 revolucionara el cine incluyendo entre sus filas uno de los géneros que más ideas novedosas ha aportado al mundo del séptimo arte, me dispongo a hacer una pequeña revisión de las que, bajo mi humilde opinión, son las mejores y más disfrutables cintas de ciencia-ficción, pero no ciñéndome a lo clásico, sino que pretendo hablar un poco de largometrajes un poco más minoritarios, que aunque no gocen de la fama imperecedera de clásicos como 'Alien' de Ridley Scott, si son productos a tener muy en cuenta si eres un amante de este fantástico género.

Es inevitable al hablar de ciencia-ficción nombrar la saga iniciada en 1977 por George Lucas: 'Star Wars'. Con esta gran producción tenemos uno de los grandes iconos del género, considerada por muchos como la obra cumbre de la ciencia-ficción y no solo eso, sino como una de las mejores películas de la historia del cine. Poco queda por decir acerca de esta maravillosa obra que no se haya dicho ya; el universo creado por el señor Lucas es ya un estandarte de la cinematografía moderna, y sus carismáticos personajes, como Harrison Ford en el papel del mítico Han Solo o Mark Hamill dando vida a Luke Skywalker, han inspirado a otros tantos de muchas cintas posteriores a este fenómeno.

Pero, como dije antes, no es mi intención analizar grandes clásicos como este. El primer filme que me gustaría comentar no es otro que 'Equilibrium', cinta que ya mencioné de pasada en mi crítica a 'Ninja Assassin'. Este filme, dirigido y guionizado por Kurt Wimmer, nos sitúa en un futuro donde las guerras y el caos han poseído a la raza humana, y una corporación totalitaria, líder en este mundo futurista, ha establecido que la única manera de combatir este creciente estado de violencia es suprimir las emociones y los sentimientos de toda la población. El protagonista, el como siempre magnífico Christian Bale, es un alto rango de esta corporación, cuya ocupación es asegurar el cumplimiento de la norma establecida por la organización. Pero este personaje, una vez ha descubierto las bondades de ‘sentir’, decide que no merece la pena sacrificar lo que nos hace humanos por un fin tan grande como evitar las guerras.

Este filme abre una reflexión que ha traído de cabeza a la raza humana desde tiempos inmemoriales, y para ello se apoya en clásicos de la literatura distópica como '1984' de George Orwell, 'Un mundo feliz' de Aldous Huxley o 'Fahrenheit 451' de Ray Bradbury. Cinematográficamente hablando, tenemos una fotografía excelente que viene de mano de Dion Beebe, en la que abundan escenarios sin luz y una muy lograda estética opresora, que bebe en gran medida de la trilogía de los hermanos Wachowski, 'Matrix'. Las escenas de acción, pese a no tener un gran protagonismo en el filme, están perfectamente logradas, y además, el filme introduce un nuevo concepto de lucha.
Es un largometraje altamente recomendable, aunque para poder disfrutarlo hay que verlo en versión original, ya que la cinta no gozó de difusión en nuestras tierras.

Después de haber comentado las virtudes de 'Equilibrium', no me puedo resistir a hablar de Vincenzo Natali, que ha aportado dos grandes obras a la ciencia-ficción: 'Cube' y 'Cypher'.
Con respecto a la primera, decir que se trata de un filme que ha creado escuela, dando pie a una trilogía que continuaron Andrzej Sekula y Ernie Barbarash, e influyendo enormemente en sagas como la hoy en día muy polémica 'Saw' o la española 'La habitación de Fermat', siendo esta última la ópera prima en la dirección de Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña, que además guionizaron. Pero esta muy notable cinta no alcanza a la obra inmediatamente posterior de este realizador estadounidense: 'Cypher'.

En esta última, Vincenzo Natali nos regala una trama, que viene firmada por Brian King, en la que no se nos narra tanto una distopía como en la anteriormente comentada 'Equilibrium' o como en 'Dark City' como una historia sobre la identidad y el terrible desequilibrio que crea la falta de ésta. Se trata de un entramado situado en un futuro indeterminado donde dos grandes compañías compiten por ser las más grandes. Estas organizaciones contratan espías que pueden trabajar como dobles agentes en la competencia, pero para ello utilizan un método nada ortodoxo que es necesario para que consigan infiltrarse. Una vez más, y como ya comenté al inicio de esta entrada, es necesario que el espectador se sienta parte de ese caos que origina la película, algo que el director tiene muy en cuenta a la hora de realizar sus filmes:

Lo importante es ¿qué es la realidad, qué es verdad? La fantasía como género es importante porque es verdad, no está trastocada ni manipulada por la propia realidad. Es paradójico, pero cosas como los documentales son menos reales que las películas, los documentales te hacen ver que estás presenciando la realidad, cuando si habéis hecho un documental sabéis que no hay nada real en hacer un documental. La fantasía no pretende ser real, y llega a la verdad de forma indirecta, por lo que por eso creo que es más verdadera. El digital ha dejado aparte el analógico y el ciclo comienza de nuevo en un mundo digital.

Leyendo esa declaración, sabemos inmediatamente que estamos ante un realizador que se toma muy en serio el género de la ciencia ficción, y que, indudablemente, trabaja en que todo esté perfectamente hilado y que no tenga fisuras que hagan que sus cintas caigan en la falta de cohesión. Y precisamente por eso, este autor hace gala de una narración muy particular; tanto en 'Cube' como en 'Cypher', se le da más importancia al aquí y ahora que a precedentes que lo único que harían seria ensuciar el guión, y por lo tanto, complicar aun más un entramado que de por si ya necesita un buen nivel de atención.

Una vez comentado todo esto, solo me queda alabar las actuaciones, donde un genial Jeremy Northam, que pudimos ver en 'Invasión', de Oliver Hirschbiegel y James McTeigue o en la serie para televisión 'Los Tudor', lleva a cabo una muy buena interpretación, dando todos los matices que su personaje requiere, y una muy acertada Lucy Liu realiza una actuación muy digna, aunque todo el peso del filme recaiga sobre su compañero.

Concluyo con esto esta primera parte de mi repaso a esos filmes de ciencia-ficción que no disfrutaron de una gran difusión. En unos días publicaré la continuación de este artículo, donde seguiré analizando filmes que deberían gozar de un mayor reconocimiento.